A pesar de las fiestas TMDG del viernes por la noche y de las lluvias del sábado, los workshops en la mañana estaban llenos y el Polideportivo se encontraba inundado de gente.
Después de cada conferencia era inevitable la sensación de sentirte flotando en sincronía con los demás, una oleada de ideas nuevas visitaban nuestras cabezas y en el aire se respiraba inquietud y curiosidad.
Algunos salían a refrescarse y a escuchar a Peces Raros y a las demás bandas. Otros iban a despejar su mente en la feria de diseñadores, a perderse en todos aquellos objetos con alma que asombraban, cuadernos utópicos para escritores y diseñadores, una variedad de tatuajes, desde los ideales para indecisos y fugaces, de aquellos que te duran tres días o los de Pedro Argel que son para toda la vida; se llenaban de pines, parches, imanes, stickers de unicornios, calaveras y felinos. Escribían mensajes ocultos en los posavasos de Cynar y compraban una remeras de diseño IDEA, un pañuelo Hombre Lobo o algún gorro Waliki para pasar el frío.
Cooperativa de Diseño
Seis mujeres le dan vida a un nuevo híbrido íntegro del diseño, mezclando lo gráfico, lo industrial y lo audiovisual. Por si no fuera suficiente, le añaden a su laburo, tanto en teoría como en práctica, un contexto, una causa social.
Su slogan es “trabajamos desde y para el pueblo”. Éste define muy bien el laburo que hacen como grupo para abarcar más. Sus preocupaciones y ocupaciones externas reflejan la metodología interna de la Cooperativa de Diseño. En congruencia con su pensamiento, hicieron una mención acerca femicidio de Lucia Perez y se expresaron del Ni Una Menos.
Mora y Emilia profundizan sobre el modelo que todas juntas han llegado a desarrollar para que la Cooperativa sea funcional en todos los aspectos. Nos presentan lo que es su distribución de ingresos y es interesante observar cómo han hecho de un proyecto totalmente independiente y consciente, algo redituable. Lo han logrado con suma organización de horarios, empatía hacía las necesidades básicas individuales y valor al trabajo colectivo.
Entre sus proyectos grandes cabe destacar varias fábricas recuperadas por medio de su colaboración y la de sus mismos trabajadores. Entre estas están: IMPA (Industrias Metalúrgicas y Plásticas Argentina) y DURAX (Proyecto de fabricación de envases de vidrio). Con el trabajo que hicieron en SAFRA, Caldiet, han demostrado cómo un diseño de calidad puede colaborar en rescatar una empresa. La Cooperativa también fomenta la revalorización de métodos ancestrales y reivindica la producción de las mujeres artesanas del Chaco, QOM LASHEPI ALPI.
Nos dejan con un eco: “¿qué posición es la que estamos optando desde nuestro trabajo?”
Chris Daze Ellis
Chris Daze nos contó sobre su inicio en Nueva York, lugar en dónde nació. Nos cuenta que la ciudad en los ’70 no era lo que es hoy, se conocía por su pobreza y delincuencia. Al principio, el veía los grafitis en la calle y se cuestionaba su significado, pensaba que era algo que hacían solamente los pandilleros.
Después se dio cuenta que era un arte y empezó a hacer grafitis en trenes abandonados, tomándoselo muy en serio. Fue desarrollando cada día más sus pinturas, graffitis y murales, fue perfeccionando su firma. Él sostiene “que el arte es más premeditado y la tipografía más orgánica”, que las letras tienen una libertad completa de expresión.
En la actualidad también es docente, después de haber tenido experiencias negativa de niño en las instituciones académicas. Explica que es necesario que exista una conexión entre los alumnos y él, que lo que se logre debe ser una especie de colaboración. Nos mostró muchas fotos en las que tiene murales empezados por él e intervenidos por su alumnos.
Era amigo de Madonna, llego a exponer junto a Basquiat y Haring, entre muchos otros reconocidos. Fue de los pocos artistas que lograron hacer esa transición, de los trenes al estudio. Pero sobretodo, Chris Daze es de los pocos que guardaron la lealtad a la calle, a alejarse del hecho de exponer únicamente en museos, a regalar su obra a un publico ecuánime.
Christian Montenegro y Laura Varsky
Christian Montenegro y Laura Varsky son cómplices, en la creación y en el amor. Cohabitan el mismo universo de ilustración y diseño. Y cuando unen magias, resultan cosas grandiosas como lo es el libro que sacaron a la luz junto al historiador y escritor amigo Gabo Ferro. La publicación original del libro se llamó Barberie o civilización, sangre, monstruos y vampiros en el segundo gobierno de Rosas, y la reinterpretación visual de Montenegro y Varsky fue titulada 200 años de monstruos y maravillas argentinas.
Laura Varsky nos introduce en el libro, nos comenta que es un ensayo literario que le da un giro a los conceptos de “normalidad” y “monstruosidad” que establecieron los relatos de cada época, pone en duda estos estereotipos y hasta los invierte, reinventando de manera original las imágenes clásicas que narran la historia argentina.
Christian Montenegro nos transmite detalladamente su mapa creativo para que podamos visualizar a fondo el extenso proceso de cada una de las imágenes finales.
Obviamente, al terminar la conferencia salí corriendo al Stand de TRImarchi para comprarme el libro, pero se fue como pan caliente, ¡agotado! Me informan que se puede adquirir en editorial Beatriz Viterbo.
Adrián Dárgelos
Acostumbrados a ver a Adrián Dárgelos en un distinto clima, a muchos nos sorprendió ver su música desde otro lado, narrada por Benito Scorza, el guionista y director de los vídeos de Babasónicos, que en realidad era nada más y nada menos que una invención de él mismo.
Nos enteramos años después de que Dárgelos había creado ese mundo paralelo, un alter ego para él y también para los demás integrantes de la banda. Durante mucho tiempo, cada uno llevó a cabo un rol para cubrir las necesidades de las producciones.
No contaban con demasiada plata, filmar en cine era muy costoso y a Adrián le gustaba ese formato únicamente. Ahorrándose el equipo de producción, pudieron quedarse con la plata que los patrocinadores les pasaban para realizar los videoclips y empezar a vivir de ello.
Babasónicos no sólo se arreglaba con esto, sino que también no pagaban actores, ya que siempre había alguien dispuesto a actuar gratis para ellos. Los autos y las locaciones las prestaban amigos o sino entraban a una casa de quinta vacía, sin pedir permiso ni notificar nunca al respecto. A todo este modelo, Adrián Dárgelos lo nombró “producción guerrilla”.
Dárgelos también logra exponernos cómo el concepto de video empezó a decaer y a convertirse únicamente en un marketing plano, considera que inclusive YouTube amenazó el espacio. Él pasó muchos años al volante pero debido a esto y a falta de tiempo, empezó a desinteresarse y entregó el trabajo a un equipo especializado para que se ocuparan.
Adrián nos adentró en la trayectoria audiovisual de la banda, contándonos sus historias únicas e irrepetibles. La conferencia de “El Babasonicos” nos hizo reír y aprender que queriendo, siempre existen alternativas bandidas para lograrlo.
Foto principal: Santiago Vellini
Freddy Mamani
Desde que apareció Freddy Mamani en el escenario, pudimos notar automáticamente su presencia, sus rasgos afilados y fuertes, la firmeza en su creencia. Mamani es un arquitecto Neo Andino con un enfoque cultural, social y político. Él sueña que con su arquitectura se transforme Bolivia, su país.
Freddy empezó como albañil, después estudió para ser ingeniero y se transformó en un autodidacta y reconocido arquitecto. Empezó en una casa de paja y adobe, actualmente su trabajo proyecta los más inmensos y bellos palacios de El Alto.
Mamani ha iniciado una revolución de colores y formas, manteniéndose fiel a sus orígenes. Razón por la que también ha sido criticado, él crea rupturas en los moldes occidentales y reinterpreta la arquitectura con su cosmovisión Aimara y su estilo cholet.
En varias ocasiones , menciona y agradece a Evo Morales, también declara: “utilizo la arquitectura como reivindicación social, cultural y económica”. Freddy Mamani desea inspirar su entorno, presentándole al extranjero una razón para visitar, presentándoles a los bolivianos un lugar para que vuelvan a creer en sus raíces.
Michelle Dougherty
En los inicios de la carrera de Dougherty, alguien le dijo que su trabajo era aburrido y a partir de esto se cuestionó, ¿qué valor le iba a otorgar a su trabajo como diseñadora?
Michelle nos hizo reflexionar sobre la importancia de la crítica, a veces es ésta la que nos moviliza. Actualmente, ella es la directora creativa de la sede de Imaginary Forces, una empresa responsable de los openings de Los Goonies, Alien y Superman, entre tantos otros clásicos.
Nos detalla más sobre “la estrategia de identidad conceptual” y cómo hizo uso de esta para crear poderosas identidades como lo son la de Vinyl, Jessica Jones y Stranger Things.
Nos mostró gran parte de su trayectoria visual, deslumbrándonos con la calidad y sus infinitos procesos. Nos compartió parte de un documental que dirigió, Sonic Sea. Atrapándonos en la historia y en su impecable estética, esperamos expectantes para verlo.
También habló acerca de la importancia de ser sinceros con el contenido y de encontrar la voz propia para que el trabajo se vuelva más natural y rítmico. En algún momento Dougherty dijo: “como diseñadores no curamos el cáncer, no somos médicos pero sí tenemos oportunidad de crear un cambio y traer algo bello al mundo”.
