El 2023 ha sido un año prolífico y ecléctico para el cine. Mientras que las películas de superhéroes, las secuelas y las sagas se habían convertido en los últimos años en las reinas de la taquilla, esta etapa está en transformación y Hollywood parece volver a algunos aspectos de su era dorada mientras que las cinematografías de otros países cobran una gran relevancia en el panorama mundial. La posmodernidad del séptimo arte se pone al servicio de las diversas historias que existen para contar.
El fenómeno “Barbenheimer” fue uno de los momentos clave del cine de este año: dos de las películas más taquilleras del 2023 fueron estrenadas el mismo día, logrando que muchos cines vuelvan a aplicar la doble función y también que los espectadores vayan “disfrazados” a los cines, algo parecido a lo que ocurría con los blockbusters de los años 80.
Otro de los aspectos que signó este año del cine fue la prevalencia del terror. Esta ola de películas de horror de gran calidad viene desde hace varios años, con la reinvención del Arte House Horror y la aparición de nuevas figuras que renovaron el género, pero el 2023 ha sido sin dudas la explosión de este proceso y el abanico de películas de terror es tan variado como exquisito.
En lo que respecta a las temáticas y las formas de narrar, el cine había sido acompañamiento fiel del correccionalismo político y las nuevas expresiones de las minorías que, como parte de una revolución, se dieron vuelta y pasaron a ser el mainstream. Luego de algunos años de temas repetidos y sometimiento a una agenda progresista, el séptimo arte parece haber recuperado su rebeldía, espíritu crítico y valentía a la hora de narrar historias diversas y ejercer la denuncia.
El 2023 ha sido un gran año para el cine en general y también para el cine argentino, que contó con varios estrenos de diversos géneros que en esta lista repasamos. Es destacable también que las mujeres se han abierto camino en el cine, sin vuelta atrás y marcando la renovación del mismo.
A continuación, las 25 mejores películas de 2023 según el equipo de Indie Hoy.
25. Asteroid City
Dir: Wes Anderson
En Asteroid City, Wes Anderson despliega su aguda perspicacia de manera magistral y lleva al extremo su peculiar estilo. Ambientada en los años cincuenta, la historia se bifurca entre la intertextualidad, creando una sátira sobre Estados Unidos a partir de un avistamiento alienígena. Dividida entre el mundo del teatro -narrado en blanco y negro por Bryan Cranston– y el vibrante desierto coral donde se representa la obra, la película fusiona humor, nostalgia y extravagancia. Los personajes, conscientes de sus roles en ambas realidades, exploran temas profundos como la familia, el amor y la creatividad artística. A pesar de algunos escollos literarios y un exceso innecesario de diálogos, Wes Anderson sigue hipnotizando con su estética distintiva, ofreciendo una experiencia cinematográfica resplandeciente. – Juampa Barbero
24. La vida a oscuras
Dir: Enrique Bellande
Entre tantas películas, una tenía que hablar de Fernando Martín Peña. Esa fue la premisa que Enrique Bellande se planteó para su tercer largometraje La vida a oscuras, una afectuosa aproximación documental a la figura de este referente indiscutido y personaje clave de la cultura cinéfila argentina. Tan apasionado del celuloide como férreo militante de su preservación y divulgación, Peña hoy mantiene, casi en soledad y en una bóveda construida por él mismo, una colección de 8.000 films que sigue creciendo con cada lata que salva de la extinción. Un bastión de resistencia ante el implacable avance del digital. Bellande subraya desde una dimensión física esa tenacidad que impregna el trabajo de Peña: se lo ve recorrer depósitos, trasladar pesadas latas de fílmico, recibir al público y cortar tickets en cualquiera de sus ciclos, leer subtítulos con un micrófono en las funciones de cine mudo, ponerle el cuerpo a Filmoteca, su mítico programa de la TV Pública, y hasta oler una por una las películas de su colección para evitar que se deterioren. El abordaje que propone Bellande es todo un acierto, ya que esta entrega va en paralelo con la dinámica misma de lo analógico. La paciencia como respuesta a la lógica actual, dominada por lo inmediato. Tal como lo define el propio realizador, Fernando es una luz que nunca se apaga, una fuerza vital que resiste. – Marina Cimerilli
23. Nadie podrá salvarte
Dir: Brian Duffield
El guionista de The Babysitter y Love and Monsters dio una vuelta de tuerca a las películas de extraterrestres sin la necesidad de palabrerío. Respaldada por el elogio de destacadas figuras como Stephen King y Guillermo del Toro, Nadie podrá salvarte (No One Will Save You) se distingue por su enfoque silente en el guion, permitiendo que las escenas de terror y la impactante interpretación de Kaitlyn Dever como Brynn Adams ocupen el centro de atención. La película no solo rompe con los esquemas tradicionales del género de terror y ciencia ficción, sino que también teje una historia inmersiva que explora la vulnerabilidad humana frente a lo desconocido. La trama se desenvuelve con giros sorprendentes y secuencias impresionantes, destacando la habilidad de Brian Duffield para revitalizar géneros gastados. La exploración de temas como la culpa y el trauma a través de la protagonista agrega capas emocionales a la historia, mientras que la ejecución técnica mantiene la elocuencia y reserva sorpresas hasta el final. – Juampa Barbero
22. Cambio cambio
Dir: Lautaro García Candela
Lautaro García Candela estrenó su segunda película dando cuenta de un inmenso avance como director. El film se sitúa casi por completo en las intimidades de la calle Florida y sus “arbolitos”. En una Argentina en crisis, un joven recién llegado a la Capital, intenta ganar dinero día a día para subsistir, avanzar con su banda de punk melódico y construir una suerte de futuro. Donde todo parece incierto, aparece el amor pero también la posibilidad de “hacer la diferencia” jugando con las reglas más peligrosas del mercado negro del cambio de divisas. García Candela logra un película realista hija del Nuevo Cine Argentino, un film en el que reina el desánimo y permite al espectador solo unos pequeños destellos de entusiasmo. El sueño de vivir en Europa, la ausencia de planes de “progreso” y el vivir “al día” son la pintura descarnada y amorosa a la vez de una generación azotada por las crisis, pero también subvierte los estereotipos de crecimiento y futuro que sus padres les inculcaron. – Julieta Aiello
21. Háblame
Dir: Danny Philippou, Michael Philippou
En su oscura ópera prima, los gemelos australianos Danny y Michael Philippou desatan una narrativa macabra que redefine los límites del horror propagado por A24. Mia, arrastrada por el duelo de perder a su madre, se sumerge en un juego retorcido orquestado por una espeluznante mano de cerámica. Este artefacto, como una droga, ejerce una atracción narcótica sobre la protagonista, desencadenando un espiral de descontrol y locura adolescente. Un ritual con reglas claras y resultados sombríos. El desafío macabro, inicialmente inofensivo, se convierte en un pacto con entidades del más allá, en los que la conexión resulta ensordecedora y los secretos revelados se tornan cada vez más aterradores. Un reflejo perturbador de la obsesión contemporánea por la viralización, que evidencia cómo la juventud actual puede autodestruirse en pos de la notoriedad virtual. Los Philippou trascienden su origen en YouTube para ofrecer una experiencia impactante en la que la realidad se distorsiona, fusionando la seducción de lo prohibido con la oscuridad sobrenatural. – Juampa Barbero
20. Puan
Dir: María Alché, Benjamín Naishtat
Una vida dedicada a los estudios no consiste únicamente en estudiar. Puan es una comedia de enredos que transcurre en la Facultad de Filosofía de la UBA y sigue a Marcelo (el siempre impecable Marcelo Subiotto), a priori el profesor más adecuado para ocupar la cátedra de su mentor que falleció inesperadamente. Pero aparece Rafael (el personaje canchero de Leonardo Sbaraglia), un colega que vuelve al país después de pasar unos años en casas de estudios europeas, a disputarle el lugar. Los directores María Alché y Benjamín Naishtat venían de dos películas muy celebradas: la ópera prima Familia sumergida y Rojo, respectivamente. Para Puan, se meten de una manera inteligente en la cotidianidad de la universidad pública -ámbito que fue registrado en tantas otras ficciones y documentales, desde El estudiante hasta Las facultades, esta última incluso con una entrevista a Alché desde las aulas- pero desde el punto de vista de los profesores, en ese teje del armado de las cátedras, los puntajes docentes y su convivencia con los ideales políticos. En una época en la que la educación pública se ve amenazada, Puan funciona como un ingenioso registro de resistencia, plasmando con humor los grandes aciertos pero también las contradicciones del sistema. – Rodrigo Piedra
19. Trenque Lauquen
Dir: Laura Citarella
Tras el éxito de Argentina, 1985 (2022) Laura Paredes se sumó al nuevo trabajo de Laura Citarella, quien la convocó como co-guionista y actriz principal junto a un elenco de lujo, para continuar la historia narrada en Ostende (2011). Tanto Ostende como Trenque Lauquen tuvieron como propuesta principal continuar con la historia de aquella trabajadora radial atravesando un nuevo drama en una localidad de la provincia de Buenos Aires diferente a la de aquella entrega. Uno de los aspectos más peculiares de esta película reside en la combinación exquisita de elementos que, pese a su extensa duración de 4 horas, logra captar la completa atención de los espectadores. Trenque Lauquen cuenta no una sino múltiples historias que confluyen en el personaje principal y la travesía de develar dónde se encuentra una mujer desaparecida en el pueblo donde se narran los hechos. – Sheyla Benítez
18. La práctica
Dir: Martín Rejtman
Una película de Martín Retjman se reconoce a simple vista. Y esta no es la excepción. La práctica nos adentra en la vida postdivorcio de Gustavo, un profesor de yoga argentino radicado en Chile. Tras separarse de su esposa Vanesa, también instructora, la trama se desenvuelve en medio de distintos eventos, como terremotos y situaciones extrañas en el trabajo. La película adopta una estética visual fría, en sintonía con el estado emocional del protagonista, interpretado por Esteban Bigliardi. La historia sigue a Gustavo mientras lidia con la pérdida de su hogar y el intento por reconstruir su vida. La relación con su ex esposa, las interacciones con alumnos y la llegada de nuevos personajes contribuyen al desarrollo de un escenario sutilmente disparatado. La estaticidad de los planos y la forma mecánica en que los personajes enuncian sus diálogos contribuyen a la atmósfera singular, típica del director de Silvia Prieto y Los guantes mágicos. Aunque la vida de Gustavo es un desastre, la película logra presentar esta caótica realidad con una distancia tierna, a veces paródica, pero siempre fascinante. – Juampa Barbero
17. La piedad
Dir: Eduardo Casanova
Eduardo Casanova sumó un nuevo éxito a su carrera con su segundo largometraje, para el que convocó a actores como Ángela Molina, Manel Llunel, Ana Polvorosa, Songa Park, entre otros. El director español presenta un film con peculiaridades kitsch que se reflejan sobre todo en la dirección de arte, el uso de los colores y una historia en la que los conceptos de maternidad y dependencia entran en constante tensión. La propuesta de esta comedia negra con tintes de drama tiene como finalidad incomodar a los espectadores, quienes a lo largo de los 84 minutos de su duración acuden al entramado detrás de las relaciones tóxicas en el seno de una familia disfuncional, que generan un atractivo tal a partir de los elementos visuales y de una llamativa banda sonora que entregan una experiencia tan peculiar como irresistible en el panorama actual. – Sheyla Benítez
16. Rotting in the Sun
Dir: Sebastián Silva
El chileno Sebastián Silva logra desplegar en su más reciente película un abanico de temáticas y, sin caer en la digresión, construye un universo en el que están todas amalgamadas y conviviendo desde la tensión con la sensación de que hay algo a punto de explotar. Rotting in the Sun cuenta la historia de un artista que atraviesa un bloqueo y se entrega al consumo de drogas y sexo pasajero, hasta que la historia nos presenta una inesperada tragedia que da un giro total al film. La crítica social desde la ridiculización de los snobs y la estigmatización de las clases bajas, la inmersión en el mundo gay, la burla a las redes sociales y las figuras de los influencers, los tormentos y los avatares de la vida del artista, el flagelo de las adicciones y la polarización de clases son tópicos que revientan en la pantalla. La sutileza no es una de las características de este film, sino más bien una presentación como “cross a la mandíbula”. – Julieta Aiello
15. Las cosas indefinidas
Dir: María Aparicio
Las cosas indefinidas narra el duelo y la crisis por la que está atravesando Eva (Eva Bianco), una editora de cine que está cuestionándose su oficio mientras intenta lidiar con la pérdida de un amigo íntimo. Dirigido por la cordobesa María Aparicio, el film logra exponer discusiones sobre cine y las maneras de narrar, y cuestionamientos sobre cómo vivir junto a este oficio. También sigue el vínculo entre Eva y Ramiro (Ramiro Sonzini) -compañeros de trabajo y también amigos- y realiza un registro sensible de la ciudad de Córdoba, aprovechando espacios clave de la juventud y el mundo del arte. Las cosas indefinidas es una de las grandes piezas de este año y es, en gran parte, por lo genuino de su narración -en contra de un artificio impostado y transparente desde su planteo-, la delicadeza formal y técnica y la naturalidad de sus intérpretes. Aparicio se consagra como una de las autoras más destacadas de nuestro cine actual. – Julieta Aiello
14. Blondi
Dir: Dolores Fonzi
Dirigida y protagonizada por Dolores Fonzi, Blondi explora la vida de una madre y su hijo, compartiendo una relación más amistosa que convencional. La película se erige como un monumento a la complejidad humana, retratando detalles de la vida de Blondi y Mirko con una sinceridad que resuena en la química entre los personajes. La impronta naturalista de Fonzi captura momentos efímeros con una sutileza que revela la belleza en la imperfección cotidiana y se siente en lo más profundo del corazón. A través de la música de The Velvet Underground y Las Ligas Menores, porros y amigos compartidos, la historia refleja la realidad de una familia que desafía los estereotipos, celebrando el amor y la libertad. Aunque la temática puede ser controversial, la película ofrece una experiencia emocional auténtica y conmovedora hasta la médula. Blondi es una comedia, un refugio y un recordatorio de la construcción colectiva de la feminidad y la maternidad. – Juampa Barbero
13. Close
Dir: Lukas Dhont
Close, el más reciente film del talentoso director belga Lukas Dhont, es una exploración íntima y conmovedora sobre la amistad, el amor y la pérdida. Sin caer en golpes bajos, la película se construye como un relato emotivo sobre la evolución de la amistad (y el enamoramiento) entre dos personajes: Leo y Remi, interpretados por los jóvenes Eden Dambrine y Gustav De Waele, respectivamente, de forma excepcional. Con un giro inesperado, condicionado por la mirada prejuiciosa del otro y la indiferencia, Dhont retrata con sensibilidad y elegancia las consecuencias de la muerte entre silencios ensordecedores, reflexiones profundas, y momentos desgarradores a través de la mirada de un niño que debe crecer abruptamente, mientras construye su propia identidad en un mundo lleno de contradicciones. – Lucas Santomero
12. Oppenheimer
Dir: Christopher Nolan
Para construir la biopic de Robert J. Oppenheimer, Christopher Nolan se toma tres horas, despliega un sinfín de efectos visuales y sonoros y, por sobre todo, un planteo existencial. El protagonista de esta historia será un héroe que devendrá en villano, un genio que devendrá en asesino y un hombre que devendrá en demiurgo. Oppenheimer es una de las películas más sobresalientes de este año si hablamos de taquilla y de despliegue de producción. Con una historia potente convoca al espectador a acompañar al protagonista en su viaje mental, donde batalla con sus demonios, con sus dudas existenciales, donde sufre sus errores, mientras también se regodea en sus victorias, teniendo entrada exclusiva a la Oficina Oval de la Casa Blanca o siendo tapa de la revista Time. Con este film, el director de El caballero de la noche da un paso más en su prolífica filmografía y apuesta a la maestría técnica así como al drama profundo. Lo mismo sucede con el actor principal, Cillian Murphy, que logra una creación compleja y rica en matices. – Julieta Aiello
11. La ballena
Dir: Darren Aronofsky
Si hay algo que Darren Aronofsky sabe hacer con audacia, es indagar en la fibra más frágil de la psique humana. Ya lo hizo en Black Swan y ahora lo volvió a hacer en La ballena (The Whale), su más reciente film basado en la obra homónima del autor Samuel D. Hunter, que se presenta como un melodrama visceral, crudo y asfixiante sobre la depresión, la fragilidad de los vínculos y la literatura como un espejo de la vida misma. Protagonizada por un brillante Brendan Fraser, el largometraje se construye a partir de los últimos días de Charlie, un profesor trastornado por redimir el vínculo con su única hija mientras lidia con una obesidad mórbida. Paralelamente, en la trama se exponen -con mayor o menor efectividad- temáticas como la soledad, el duelo, la muerte, la vergüenza y la redención. Una historia dramática, incómoda y conmovedora que se sostiene principalmente por la interpretación sobresaliente de su protagonista en lo que se configura como su retorno triunfal. – Lucas Santomero
10. Pobres criaturas
Dir: Yorgos Lanthimos
Quien esté familiarizado con la narrativa distópica de Yorgos Lanthimos, seguramente esté preparado también para el cóctel delirante de Pobres criaturas (Poor Things). No en vano el director es considerado una de las mayores influencias de la llamada Nueva Ola Rara del cine griego. Adaptada de la novela homónima de Alasdair Gray, su más reciente creación parte de la premisa frankesteiniana y moldea una fábula de liberación femenina comandada por una deslumbrante Emma Stone en la piel de Bella, el flamante experimento del científico Godwin Baxter (Willem Dafoe). Pero lejos de ser un monstruo, esta hipnótica criatura es el retrato vivo de una mujer que sale al mundo en sus propios términos. A través de sucesivas etapas que hacen a la transformación y el despertar sexual y emocional de Bella, esta extraña comedia plantea una crítica mordaz a la sociedad patriarcal, y captura esa excursión hacia la madurez con una mirada inquisitiva, sin prejuicios ni tabúes. Desinhibida y anárquica, Bella decodifica la realidad a su manera, y toma decisiones haciéndose preguntas a sí misma en lugar de someterse a lo que el universo masculino espera de ella. – Marina Cimerilli
09. Beau tiene miedo
Dir: Ari Aster
Ari Aster, A24 y Joaquin Phoenix se reunieron para presentar una de las cintas más polémicas del 2023, en la que el director a cargo abandonó por completo el estilo de Art House Horror que lo caracterizó en Midsommar (2019) y Hereditary (2018) y apostó a una nuevo propuesta estética y narrativa con tintes de sátira y comedia oscura. El film cuenta la historia de Beau, un hombre con aspecto depresivo que convive con diversas fobias que va dando a conocer en la medida que intenta llegar a la casa de su madre que lo espera en una ciudad lejana. Una de las principales características de Beau is Afraid tiene que ver con que la narración no se da a partir de escenas en donde diversos personajes interactúan entre sí dando cuenta de lo que va sucediendo, sino que se trata de la lectura que el protagonista realiza en su mente, la cual está contaminada por todos aquellos temores con los que convive. Si bien Aster procuró trabajar alejado del horror, la manera en la que el personaje principal atraviesa todos los obstáculos que se le aparecen en el camino, denota una profunda angustia e incertidumbre que finalmente apela al terror psicológico. – Sheyla Benítez
08. Anatomía de una caída
Dir: Justine Triet
Este largometraje ganador de la Palma de Oro de Cannes es mucho más que un agudo drama judicial. Si bien gira en torno a una muerte violenta, a medida que avanza, queda claro que la nueva película de Justine Triet tiene otra cosa en mente. Anatomía de una caída es un riguroso tratado moderno sobre las complicadas dinámicas de las relaciones a largo plazo, y cuán convenientemente pueden distorsionarse si ese universo íntimo se expone al escrutinio público. Ese es el verdadero enigma sin resolver, y no tanto la culpabilidad o inocencia de su protagonista, la exitosa autora alemana Sandra (Sandra Hüller), acusada de matar a su marido, el aspirante a escritor Samuel (Samuel Theis), quien aparece muerto en circunstancias poco claras. La trágica escena es descubierta por el hijo del matrimonio, testigo clave del caso, quien quedó ciego en un accidente algunos años antes. La aceitada complejidad del guion, coescrito por Triet y su marido Arthur Harari, también permite sembrar preguntas acerca de los celos profesionales y el ego del escritor, la división del trabajo y el papel de la mujer dentro del matrimonio, y la incomodidad que todavía experimenta buena parte de la sociedad cuando una mujer no sólo toma lo que quiere de la vida, sino que se niega a disculparse por ello. – Marina Cimerilli
07. Los espíritus de la isla
Dir: Martin McDonagh
La nueva película de Martin McDonagh sigue la línea de la creación detallada de una comunidad. Con aspectos similares a Tres anuncios por un crimen, el director se centra en la pintura de una pequeña sociedad que habita en una isla irlandesa en los años 20. Será la ruptura de una amistad entre dos hombres lo que desestabilice la “paz” de esta sociedad y dé lugar al caos. Con reminiscencias a La lección de piano, The Banshees of Inisherin es una película potente en su narración, cruda en su despliegue de la naturaleza humana y deleitante en su fotografía imponente. McDonagh acude al in crescendo como en otras de sus películas para mostrar cómo los personajes se embarcan en espirales que los alejan de la civilización y los acercan a la bestialidad; pero, a su vez, subrepticiamente nos muestra que es la lógica de la civilización y la organización de las comunidades lo que finalmente los puede llevar a la autodestrucción y la destrucción del otro. – Julieta Aiello
06. Los delincuentes
Dir: Rodrigo Moreno
Tras seis años de ausencia y un fragmentado proceso de producción, Rodrigo Moreno logró concluir el largometraje más ambicioso de toda su carrera. Inspirada en el film Apenas un delincuente (Hugo Fregonese, 1949), esta oda al séptimo arte presentada en la sección Una Cierta Mirada del festival de Cannes y elegida para representar a la Argentina en los premios Oscar, retrata a Morán, un banquero de Buenos Aires que cuestiona su existencia rutinaria y elabora un sofisticado plan para asaltar el banco en el que trabaja. No le interesa hacerse millonario, sino dejar de trabajar y ganar tiempo de ocio. Mientras cumple su condena en la cárcel, su amigo y colega, Román, deberá esconder el botín. Entre el clima agobiante de la ciudad y el cálido sol de las sierras cordobesas, la película muta amablemente y subvierte de forma lúdica las convenciones del género, volviéndose más inmersiva a medida que avanza. “Adónde está la libertad” se pregunta Pappo en ese blues que funciona como leit motiv del film, y durante las tres horas que dura la película, Moreno ensaya abiertamente una respuesta a esa pregunta. ¿Qué lugar ocupa el trabajo en nosotros?, y ¿qué pasaría si dejáramos de consagrar nuestra vida al trabajo? – Marina Cimerilli
05. Los Fabelman
Dir: Steven Spielberg
Steven Spielberg lo hizo de nuevo. Los Fabelman conmovió a los amantes del cine a partir de una minuciosa narración de la experiencia personal del director desde el momento en el que descubrió la mayor de sus pasiones. En su nuevo trabajo, Spielberg utilizó todas las herramientas que cultivó a lo largo de su carrera para expresar en clave ficcional aquellos momentos cúlmines de su infancia que ocurrieron en paralelo al divorcio de sus padres y al descubrimiento de los instrumentos que le permitieron registrar sus primeras imágenes. La historia tiene como protagonista a un niño llamado Sammy Fabelman, el cual muestra una estrecha relación con su madre con quien comparte su pasión por el arte y es también quien integra la contraparte del secreto familiar que desencadena la narración. Será este secreto lo que impactará sobre el personaje principal y emprenderá su aventura en descubrir el poder de las películas. – Sheyla Benítez
04. Los asesinos de la luna
Dir: Martin Scorsese
Una curiosidad de historiador atraviesa la filmografía de Martin Scorsese, pero Los asesinos de la luna es su intento más maduro de usar al cine como herramienta de reparación histórica. El director estadounidense toma la historia del pueblo originario Osage, que -al igual que muchas de sus películas más populares- es un retrato de excesos, robos y asesinatos. Sin embargo, Los asesinos de la luna está más en línea con la etapa de madurez y seriedad que Scorsese sostiene desde Silencio, el film espiritual que sigue a dos monjes jesuitas que recorren Europa hasta llegar a Japón. También al igual que Silencio, la larga duración sirve a favor de las estrellas protagónicas -Leonardo Di Caprio, Robert De Niro y Lily Gladstone-, que se lucen en la complejidad de sus personajes. Más allá de sostener una lección de moral, la película deja preguntas difíciles acerca del amor y la avaricia, y sobre lo inevitable del final del linaje Osage, como si la tribu se percibiera trascendente de su propia época, eternos como el cine. – Eric Olsen
03. Tár
Dir: Todd Field
Entre las películas más sobresalientes de este año se encuentra Tár, el film protagonizado por Cate Blanchett, quien entrega una de las mejores actuaciones de toda su carrera. Con una apuesta por la incorrección política y la puesta en cuestión de muchos postulados del progresismo contemporáneo, Tár cuenta la historia de una directora de orquesta que debe enfrentarse al juicio moral de una sociedad luego de ser acusada de maltrato y abuso por parte de sus aprendices y alumnos. La cultura de la cancelación se expone en todo su esplendor en este drama y pone en una encrucijada al espectador, ya que el film se toma el tiempo para construir detalladamente a su protagonista y mostrarnos que estamos ante una mujer fuerte, exitosa y talentosa que no acepta las injusticias de género como algo real y que arrasa con todo en su camino. Tár plantea la dicotomía a partir de una heroína que, poco a poco, va desmantelando su rostro de villana, logrando así una destrucción de esta clásica dicotomía narrativa. – Julieta Aiello
02. Barbie
Dir: Greta Gerwig
La película rosa de Greta Gerwig se convirtió, sin lugar a dudas, en una de las más exitosas del año, no solo porque la cinta narra la historia de la conocida muñeca poniendo sobre el tapete diversas discusiones actuales como la cultura hegemónica y patriarcal, sino porque se alejó por completo de la idea superficial bajo la cual fue concebido el juguete en la sociedad al momento de su lanzamiento en la década del 50. Lo llamativo del estreno de la película -que rompió el récord como la más taquillera en la historia de la compañía de Warner Bros., al lograr la cifra de 1.342 millones de dólares en recaudación-, se dio a partir de la campaña de marketing con la que fue promocionada y la propuesta a aquellos amantes de la muñeca que al momento de presenciar su estreno vistieran prendas de color rosa, afianzando de esta manera la idea de que la experiencia cinematográfica es también una performance colectiva. – Sheyla Benítez
01. Cuando acecha la maldad
Dir: Demián Rugna
La nueva película de Demián Rugna es el gran suceso del cine argentino de 2023 no solo porque es una película de terror sin fisuras sino porque también provocó un fenómeno en lo que al género se refiere a nivel mundial. La premisa de que estamos ante una película argentina de terror puede provocar prejuicios en varios, pero la fama que logró Cuando acecha la maldad en su paso por el Festival de Sitges -resultando ganadora del premio mayor- y por más de 600 salas estadounidenses, hizo que al momento de ser estrenada en nuestro país fuera recibida con gran fervor por los amantes del terror y por las audiencias en general. Cuando acecha la maldad es una película tradicional desde su narrativa, lo que hace que funcione de maravilla, y jugada a nivel visual.
Rugna demuestra que una historia potente puede acercar a quienes no son adeptos al cine de género y también fascinar a la comunidad terrorífica. Cuando acecha la maldad es también la prueba de un gran renacimiento del cine de terror a nivel mundial y, en clave de terror rural, entrega una historia sumamente pesimista pero que nos mantiene al filo del asiento tanto por sus escenas -que dejan un impacto residual durante días en los espectadores- como por el ritmo compacto de su narración: acelerado cuando la historia lo requiere y reflexivo en otras instancias, aunque nunca carente de una tensión inquietante. – Julieta Aiello
