Hay artistas que necesitan varias canciones para explicar quiénes son. A Molle le alcanzan unos segundos sobre un escenario. Su presencia tiene algo inmediatamente desconcertante: exagerada, física, impredecible, por momentos absurda. Puede moverse con la ambición de una estrella pop y, al instante siguiente, comportarse como una criatura que acaba de escaparse de algún rincón extraño de la noche porteña. En una escena acostumbrada a que los géneros, las estéticas y las comunidades se contaminen entre sí, encontró una manera particularmente propia de llevar esa mezcla al cuerpo.
La máscara de Molle nació antes de que existiera una explicación demasiado precisa para ella. Recién llegado a Buenos Aires desde su Mendoza natal, todavía exploraba una ciudad que conocía poco y buscaba también una nueva forma para un proyecto musical que, hasta entonces, había transitado por otros lugares. Una noche en La Greco, después de encontrarse con una serie de performances que lo impactaron, algo empezó a tomar forma.
"Se me quedaron muchas imágenes en la cabeza y después tuve unos sueños re locos. Empecé a dibujar y me dibujé a mí con una máscara de picos. Estaba en un momento de mucha inspiración y me cayó esta información. La primera la hice con un diseñador y era muy distinta a la de ahora: era mucho menos amigable, tenía picos muy duros y lastimaba a la gente", cuenta Molle en conversación con Indie Hoy.
Las necesidades del vivo fueron transformando aquel primer diseño. La comodidad, el movimiento y las posibilidades de la performance llevaron a sucesivas modificaciones hasta llegar a la máscara que utiliza actualmente. En ese recorrido, el objeto terminó creciendo al mismo tiempo que el personaje.
"Fue como un bicho que fue mutando, literal, a lo que soy. Fue parte de este proceso de descubrirme a mí mismo y se generó algo muy natural con la identidad. A mi personalidad le encanta y convive muy bien con que el personaje esté separado de mi persona".
Esa división le permitió construir una relación particular con la exposición. Cuando termina un show, Molle puede sacarse la máscara y desaparecer entre el mismo público que minutos antes lo observaba sobre el escenario. La ausencia de un rostro reconocible preserva, además, algo que considera fundamental para el personaje: la posibilidad de que cada persona complete aquello que permanece oculto.
"Termino de tocar, me saco la máscara, me pongo en el medio de la gente y nadie me rompe las bolas. Nadie sabe quién soy, no me dicen nada en la calle. También genera algo muy lindo, una especie de fantasía alrededor del personaje. No podés tener un prejuicio ni buscarle el ego en la cara a una persona. Simplemente queda esa fantasía y la gente lo interpreta como una especie de animal espiritual". Hay, finalmente, una explicación bastante menos solemne para conservar el misterio: "Si le ves la cara a Piñón Fijo, se te va todo".
Antes de Uh!, Molle había presentado No sabés lo que pasó, un primer EP que funcionaba como puerta de entrada al universo del personaje. Allí estaban la máscara, el delirio y una música estrechamente vinculada con la cultura electrónica en la que el proyecto había comenzado a desarrollarse. El nuevo material, Uh!, parte de ese territorio para empezar a deformarlo.
"Uh! es medio una mutación y, al mismo tiempo, muestra mi esencia en el sonido. Fue como un caballo de Troya en la escena electrónica, pero el ADN de mi música es pop. Ahora el sonido está mutando hacia algo más pop sin perder lo rave. Lo que trae este EP es justamente la convivencia de esas dos cosas".
A lo largo de cinco canciones, esa convivencia hace que el electro pop se cruce con el hard dance, el nu-gabber y el eurodance, mientras la pista de baile adquiere distintos estados emocionales. La euforia sigue funcionando como impulso, aunque ahora comparte espacio con el deseo y una vulnerabilidad que empieza a asomar detrás de la intensidad.
La transformación sonora de Uh! encuentra su correlato en el propio personaje. Si el EP anterior estaba concentrado en establecer sus códigos, esta vez empiezan a aparecer sentimientos que desordenan aquella primera imagen. La dureza pierde terreno, asoma cierta nostalgia y, detrás del absurdo, comienza a insinuarse una dimensión más humana.
"Dentro del personaje hay sentimientos, le pasan cosas. A través de la locura quizás aparece algo más profundo. Pasa tanto en lo visual como en lo sonoro: las canciones tienen un toque más de nostalgia, ya no es todo tan duro".
La dimensión audiovisual en la construcción de un universo
La construcción de Molle siempre aspiró a desbordar las canciones. La música funciona como el centro de un universo que necesita de imágenes, colores, acciones y performances para terminar de desplegarse. En ese cruce, los videoclips adquieren un peso narrativo que excede la promoción de cada lanzamiento.
"Siempre tuve la intención de crear un mundo mucho más grande que la música. Lo visual es otra forma de expresión que me permite dar cosas que a veces con la música quedan cortas. Amplía la obra, te habla más de lo que significa, de las acciones, de los colores. Es como ver un plato de comida y no sentir el olor".
La dimensión audiovisual de Molle se construye junto a MicaSnito, directora detrás de sus videoclips y una figura que el músico define, entre risas, como una suerte de psicóloga creativa. Su trabajo también consiste en interrogar las imágenes que él imagina antes de llevarlas a la pantalla. "Yo le digo: 'Quiero hacer esto, esto y esto', y ella me pregunta: '¿Pero por qué? ¿Por qué querés hacer esto?'. Es la gran mente detrás de los videoclips".
El videoclip de "Eddy ay" alcanza uno de sus puntos más explícitos en cuanto a la tensión entre persona y personaje, la frontera entre el artista y su universo. Concebido como una suerte de cortometraje de terror, el video enfrenta a Molle con su propio reflejo y convierte una contradicción real del proyecto en ficción: mientras la máscara permite preservar el anonimato, quien la lleva también puede desear aquello que el personaje recibe.
"Mi persona a veces tiene celos de la máscara. A veces tengo ganas de que me reconozcan, tengo ganas de vivir lo que vive el personaje. En el video discuto con ella y le digo que, en realidad, me necesita a mí. Después me mato, la máscara empieza a apoderarse de otra gente, pero no se siente cómoda en ninguna y termina volviendo a mi persona. El personaje necesita al jinete".
La rave: un espacio de contención y expresión
Antes de que ese universo pudiera expandirse hacia canciones y videos, necesitó encontrar un lugar donde ponerse a prueba. La rave ofrecía un público acostumbrado a recibir propuestas nuevas, pero la presencia de Molle introducía una anomalía dentro de una cultura donde tradicionalmente el DJ conduce la noche sin necesariamente ocupar el centro de la escena.
"La rave es un espacio de contención y de expresión donde todo es más aceptado. La gente ya va con el cuerpo disponible para una propuesta distinta. Y justo lo que yo hacía no se veía en ese ambiente. De repente tenés un bufón loco haciéndote bailar y subir la energía. El DJ normalmente acompaña y dirige la fiesta; yo vengo a hacer un poco lo contrario, a dirigir la energía desde otro lugar".
Dentro de esa escena, las fiestas tuvieron un papel decisivo en los primeros pasos de Molle. Allí encontró una comunidad dispuesta a recibir propuestas que todavía no tenían un público propio. "La 999 fue un lugar que me enseñó y me contuvo mucho. Valen Spirito y toda la gente que está alrededor te dan oportunidades y apuestan por proyectos y sonidos nuevos. Es una comunidad donde podés proponer algo aunque no te conozca nadie y alguien te dice: 'Che, vení, está buenísimo lo que hacés, mostralo'. Fue el primer lugar que me permitió crecer y mostrar lo que hacía".
Una inmersión en el terreno del pop
Las referencias detrás de Molle responden a una escucha deliberadamente amplia: Michael Jackson y The Weeknd conviven con Blur y con nombres del darkwave y el synthwave como Boy Harsher o Sextile. Esa mezcla también ayuda a explicar la maleabilidad de un proyecto capaz de circular entre fiestas electrónicas y escenarios vinculados al pop sin abandonar por completo ninguno de los dos mundos.
La expansión hacia un territorio cada vez más pop encontró en Juana Rozas una interlocutora natural. Molle ya había compartido sesiones con ella cuando apareció "Coqueta", una canción que originalmente contenía un sample femenino. Incluso antes de escribir juntos la versión definitiva, él ya sabía quién debía ocupar ese espacio.
"Tenía el tema armado con un sample de una chica y cada vez que lo escuchaba decía: 'Esta es la voz de Juana'. A mí me encanta lo que hace, me parece increíble su personaje y su mundo. Hicimos la letra juntos y terminó quedando un temazo. Trato de que, si hago música con alguien, surja genuinamente. Tengo muy pocos feats y quiero que siga siendo así: que sea algo humano y que obviamente me guste".
Ponerse ¿y sacarse? la máscara
Toda la construcción de ese universo alcanza su forma más física cuando llega el momento de subir al escenario. Ponerse la máscara implica para Molle atravesar un estado previo de resistencia: cansancio, dudas y una sensación de rechazo que desaparece apenas comienza el show.
"Atravieso una especie de proceso cuando me estoy poniendo la máscara. Es como si tuviera que dejar morir mi ego. Entro a sufrir, empiezo a bostezar, me da sueño, no quiero tocar. Es como antes de hacerte un tatuaje, cuando pensás: '¿En cuál me metí?'. Pero una vez que entro, atravieso un viaje. Después se me pasa volando, parecen segundos. Literalmente me transformo en otra persona. Es como si se me subiera mi animal espiritual, literalmente como en los dibujitos de anime cuando sale el león. Esa sinergia entre la gente y el personaje hace que sienta que tengo todo el poder del mundo".
La posibilidad de revelar algún día quién existe detrás de Molle permanece abierta, aunque cada paso que da el proyecto parece volver más valioso aquello que todavía queda fuera de cuadro. El anonimato terminó convirtiéndose también en una manera de preservar una vida por fuera del personaje.
"Si me saco la máscara, en algún momento va a tener que valer mucho la pena. Imaginate que la vida me regala hacer un estadio. Pero también siento que se perdería la fantasía. Capaz nunca me la voy a sacar. No sé si tengo interés en hacer pública a mi persona. De repente tengo la posibilidad de que mi persona esté en una cajita de cristal. Es proteger a la persona y exponer al personaje. Imaginate que Daft Punk toca en Glastonbury y se saca los cascos: arruinás toda la mística".
Uh! está disponible en plataformas (Spotify, Tidal).
