The Beguiled

20-11 10-1 Este 2017 empezó simbólicamente representado (en lo que al mundo del cine respecta) en el cómico episodio sucedido en el momento más esperado de la ceremonia de los Oscar: el anuncio del ganador al premio más grande, Mejor Película. Las dos películas que se disputaron, La La Land y Moonlight representan dos tipos antagónicos de cine: la primera es una celebración a Hollywood, a los esplendorosos musicales que invitan a fantasear con la máquina de sueños y hacer desaparecer al mundo por unas horas; la segunda es cine realista, comprometido y con estética indie, drama puro con algunos golpes bajos enmarcada en una trayectoria de forma de narrar la cotidianeidad que en los últimos diez años se ha popularizado con mucha fuerza. Podemos pensar que así se ha dividido este año cinematográfico: en grandes y esplendorosas producciones (como la cinta argentina elegida como lo mejor de este año, o Star Wars: the last Jedi y Blade Runner 2049) y en historias crudamente realistas, costumbristas y dramáticas (como Alanis, Paterson, Mother!). Tal vez en esta burda división, hecha a grosso modo, podemos vislumbrar y empezar a pensar en el “rol” del cine en nuestra era; un cine que ya no funciona sólo como entretenimiento “distractivo” (hace ya varias décadas) sino que es también un elemento contundente de denuncia, una documentación de época sin dejar de otorgar ficción al espectador. Estos films son cada vez más celebrados, incluso corriendo del escenario y robándole la estatuilla dorada a los brillos y el glamour clásicos, fundados en y por esa misma Academia. De todos modos, la diversidad estética y de género no hace más que aportar riqueza al panorama cinematográfico actual, dejando que estos dos tipos de films (y muchos otros) convivan y nos otorguen una lista tan variada como esta. 20. Star Wars: The Last Jedi Rian Johnson Cada vez que se estrena una nueva instalación de la saga creada por George Lucas es difícil mantener la objetividad entre las expectativas generadas por los fans que la siguen desde hace más de 30 años y los que vivimos con algo de indiferencia el fenómeno. A diferencia del comeback anterior, The Last Jedi es una película más compleja que se despoja del aire de reivindicación y homenaje que tenía The Force Awakens. Puede ser ingenua, sí, pero abraza una idea de la ciencia ficción y del cine de aventuras que parece perdida en la cartelera actual sin la necesidad de glorificar constantemente el pasado. Es un punto de transición para una historia que (por fin) parece decidida a avanzar. Federico del Val 19. The Square Ruben Östlund Los Oscars no son cosa para el sueco Ruben Östlund: después de que omitieran Force Majeure en 2014, en 2018 se repite la historia con The Square. En ambos casos, una injusticia por su pericia cinematográfica. Así y todo, su más reciente film ganó la Palma de Oro en Cannes y generó algo para nada menor: separar a la crítica en dos "bandos" (la grieta se aplica a todo). Resulta imposible que The Square pase desapercibida después de su visualización: sus 140 minutos pueden parecer por momentos un pastiche de escenas sobre tendencias globales (incluso suena irónico que por momentos parezcan spots publicitarios, cuando hay algo de eso en la trama), pero no por eso deja de reflejar la actualidad de una sociedad narcisista y tan repelente como lo es la del mundo del arte y su burguesía. En The Square, el curador de un renombrado museo de arte contemporáneo (interpretado por el danés Claes Bang) vive en aprietos relacionados con las diferencias de clase, xenofobia y misoginia. The Square cuestiona el estado actual de las cosas y si resulta incómoda es porque sos parte del público al que está orientado y está cumpliendo su cometido. Rodrigo Piedra 18. 120 Battement Par Minute Ganadora del Grand Prix en Cannes, 120 Battement par Minute sigue de cerca la militancia de Act Up-Paris en principio de los años '90, cuando el SIDA llevaba ya casi diez años matando a miles de personas. La lucha de estos militantes, que es una respuesta francesa a la organización estadounidense Act Up-Chicago, se centra en la industria farmacéutica y sobre todo, contra la indiferencia de la población. El realizador Robin Campillo, que viene de dirigir la exitosa Les Revenants y la también LGBT pero más modesta Eastern Boys, formó parte de joven de Act Up-Paris junto a Philippe Mangeot, el presidente de esa organización entre 1997 y 1999, quien además co-escribió el guion de esta cinta. El argentino y magnético Nahuel Pérez Biscayart (Glue, Cara de queso, El aura) encarna a Sean Dalmazo, a través de quien vamos asistiendo a las acaloradas asambleas, las acciones concretas que realizaban como colectivo contra la industria farmacéutica, y a su vida íntima que incluye un enamoramiento, salidas a bailar house, y mucho convencimiento con la fuerza a flor de piel. Rodrigo Piedra 17. La La Land Damien Chazelle Es justo referirse a La La Land por la película que es y no por sus datos triviales que englobaron a toda su trayectoria por festivales y estrenos. La La Land es, ante todo, una película de amor. Pero tal como años atrás lo hacía la francesa The Artist con el cine mudo, La La Land es una película de amor a la era dorada de Hollywood, aquella signada por el star system, los grandes estudios y títulos que quedarían marcados en la memoria de cualquier cinéfilo y en el inconsciente colectivo norteamericano. Por eso, el escenario para esta historia de amor entre un pianista (Ryan Gosling) y una actriz (Emma Stone), no podía ser otro que la prometedora ciudad de Los Ángeles, nutriéndose así de referencias en todo momento (entre ellas el icónico Griffith Observatory, donde se filmó una memorable escena de Rebelde sin causa en 1955). Por varios momentos, la película se sostiene en el género musical, un artilugio inteligente para el guion, y en su exquisita técnica, pero las interpretaciones de ambos protagónicos, y su química, hacen de La La Land un triunfo absoluto. Rodrigo Piedra 16. Moonlight Barry Jenkins La película ganadora del Oscar 2017 fue una decepción para muchos; tal vez porque Moonlight es una historia sencilla, bastante opuesta a La La Land, el film que en primer lugar se anunció como ganador de los premios de la Academia. Lo que Moonlight tiene de simple y mundano lo tiene también de tan rupturista como fundacional: es la primera película con temática LGBT en la que todos los actores son de raza negra. El film cuenta el recorrido de vida de Chiron, un niño negro, gay y completamente desprovisto de un entorno familiar o escolar que contenga afecto. Moonlight es tan celebrada por su actualidad y por ser, ante todo, visibilizadora. Las problemáticas que expone no sólo son universales sino que se suponen “superadas” en el mundo progre, y es en el relato de la vivencia íntima que se produce la denuncia y visibilización real de que lejos estamos de la naturalización que reciben las prácticas blancas y heteronormativas. Julieta Aiello 15. Okja Joon-ho Bong Un postulado con notas poéticas, dramático y movilizador (haciéndole honor al origen asiático de su director Joon-ho Bong) sobre la industria cárnica y los seres desalmados que la manejan además de la explotación animal y por qué no, el amor incondicional de una joven hacia su mascota, tienen un papel preponderante en este film. Quien hubo dirigido otra joya llamada Snowpiercer, nos trae esta película que tiene una veta de análisis sociológico y reflexivo. Con hilarantes actuaciones de Tilda Swinton y Jake Gyllenhaal, Okja funciona con buen ritmo, buenos efectos especiales y unos giros interesantes que la hacen entrañable. Luis Mendoza 14. It Andrés Muschietti No se trata de una remake, no es una segunda parte. Es un potente rebirth de una película casi de culto, muy bien contado, con personajes que despiertan empatía y un villano magnético, que no podemos dejar de mirar por más que nos cause sobresaltos y nos mantenga al borde del asiento casi todo film. Cargado de una energía ochentosa y un ritmo excepcional, además de una buena dosis de gore, It le otorgó una gran cuota de vida al género de terror. Pennywise volvió exactamente 27 años luego de su última aparición en Derry, de la mano del argentino Andrés Muschietti, quien prometió y no defraudó. Luis Mendoza 13. Paterson Jim Jarmusch Lo primero que se me ocurre decir sobre Paterson es que Jim Jarmusch rescata una idea que estaba perdida en el cine mainstream americano desde la década de los '70 caracterizado por su idea del realismo y del retrato de la américa profunda. En su último film, el director estadounidense, recurre a un hombre común, un arquetipo de la clase obrera con aspiraciones artísticas en un trabajo que no recurre a la denuncia social explícita y en su lugar, decide hacer un análisis sobre la creación artística y sobre cómo la misma puede generarse en la cotidianeidad, a partir de la simpleza más pura sin recurrir a exageraciones melodramáticas ni a pretenciosas elucubraciones sobre el arte. Federico Del Val 12. The Beguiled Sofia Coppola Una “película femenina”, intensa y oscura. Dirigida por Sofia Coppola y protagonizada por Nicole Kidman, Colin Farrell y Kirsten Dunst, entre otros. Mujeres que luchan contra un hombre, contra ellas mismas, entre sí o con sus propios deseos. Muy bien dirigida y ambientada en épocas de la guerra civil en Estados Unidos, con actuaciones sólidas siempre a favor de la tensión y una impecable iluminación y dirección de arte. El film deja entrever siempre una veta sensual, provocativa con sus claro/oscuros siempre evidentes que la hacen irresistible y original. Luis Mendoza 11. The Meyerowitz Stories (New and Selected) Noah Baumbach La nueva película del gran Noah Baumbach es un triunfo fiel a su estilo. Mediante fragmentos inteligentemente delimitados, el director va mostrando los rollos de una familia judía desmembrada, desmantelados mediante anécdotas y situaciones tragicómicas. Con un guión hilarante y una Nueva York esplendorosa, los integrantes de esta familia snob burguesa personifican dramas infantiles, celos, carencias y los clásicos traumas de las familias clase media occidentales. Las grandes interpretaciones de Adam Sandler, Ben Stiller y Dustin Hoffman convierten este film en un banquete de escenas ridículamente cómicas. The Meyerowitz Stories es una gran comedia dramática, que no se revela pretenciosa en su guión ni en su desarrollo, y representa una gran madurez artística y estilística en la carrera del director estadounidense, aún siguiendo por una misma línea. Julieta Aiello 20-11 10-1 20-11 10-1 10. Blade Runner 2049 Denis Villeneuve 25 años después del film madre, frecuentemente catalogado como la película que define al género sci-fi, Harrison Ford vuelve a ser Rick Deckard, no bajo la dirección de Ridley Scott sino de Denis Villeneuve, el realizador que hoy por hoy es la nueva cara del sci-fi, que supo hacerse su lugar de a poco en el cine mainstream y de calidad. Responsable de thrillers como Incendies y Sicario, el canadiense dio un salto de popularidad con la aclamada Arrival del año pasado, en Blade Runner 2049 afirma que lo suyo es lo grandilocuente. Ryan Gosling tiene que atrapar a un replicante, y nosotros somos testigo de esa pesquisa entre imponentes imágenes y una magistral musicalización a cargo de Hans Zimmer. Blade Runner 2049 logra despegarse de la etiqueta "secuela" para ser un ente por sí solo, con un guion atrapante, un deleite visual que ya casi es obsceno, pero con un ritmo que asusta a más de uno. Lo adverso y decadente del mundo contemporáneo choca con el imaginario futurista que, sin dejar de ser hostil, se erige como un éxtasis visual post-acpocalíptico. Rodrigo Piedra 09. Dunkirk Christopher Nolan Christopher Nolan tiene muchos seguidores, así como un grupo importante de detractores. La crítica usual es que su cine es muy calculado, frío. Sin embargo, el ejercicio de suspense para narrar la mayor evacuación marítima de la historia moderna, crea un ambiente sobre sus distintos personajes que alejan absolutamente esa posibilidad. Se respira y se transmite a la butaca la tensión y ansiedad de los protagonistas por escapar a como dé lugar, de ese espacio de arena que propaga ráfagas ocasionales de muerte. Amén de la muy elogiada banda sonora de Hans Zimmer, que retumba al ritmo de los tic-tac del reloj que avanza inexorable sobre ese ejército de jóvenes perdidos e inexpertos. Nolan echa mano de una estructura narrativa arriesgada y compleja, sin perder por ello el carácter de una gran producción, transformando a este film, en una de las grandes películas en lo que va de este siglo. Alejandro González 08. Mother! Darren Aronofsky Condensar el origen de la raza humana según los evangelios en un drama familiar surrealista parece una tarea imposible para cualquier director menos para Darren Aronofsky. Después del delirio al son del cascanueces que resultó ser Black Swan, el director norteamericano sube la apuesta y aprieta el acelerador hasta el fondo con una película extrema y brutal al punto de lo paródico canalizando su Roman Polanski interior e incomodando a audiencias narcotizadas en tiempos de Netflix. La podés amar u odiar, no hay término medio, pero es la película más valiente del 2017. Federico Del Val 07. Good Time Benny Safdie, Josh Safdie Los hermanos Safdie, que habían dirigido ya algunos films de forma independiente, sin grandes estrellas, enviaron una copia del guión de esta película a Robert Pattinson y contra lo que ellos pudieron imaginar, el actor les respondió afirmativamente para participar en él, lo que les permitió conseguir financiamiento y una mejor vitrina en su estreno. Y qué mejor escenario para presentarla que la Sección Oficial de Cannes en donde, si bien no ganó, generó sólo críticas positivas sobre esta historia, narrada a pulsión, sobre dos hermanos que deciden asaltar un banco, y de su posterior escape feroz por las calles de Nueva York. Durante sus casi 100 minutos presenciamos esta frenética huida del personaje de Pattinson, un verdadero símbolo del white trash, en donde como si se tratara de Después de Hora de Scorsese, los personajes que aparecen en su camino, van alimentando la ansiedad por querer alcanzar su objetivo de rescatar a su hermano, y cómo no, a él mismo. Alejandro González 06. La cordillera Santiago Mitre Santiago Mitre ya se ha constituido como uno de los directores más interesantes del cine argentino. Este 2017 irrumpió con una película súper contundente y controversial en lo que respecta a interpretaciones. Con un Ricardo Darín potente, la película atrajo a un público amplísimo que tal vez se encontró desconcertado ante el film. La cordillera es de esas películas que hay que ver varias veces, lejos del mero entretenimiento, contiene detalles significativos por doquier; su narración es poco convencional, y tiene al personaje que interpreta Dolores Fonzi como pieza fundamental en su planteo. La cordillera es un recorte muy bien delimitado de la tarea de un líder argentino que podría ser cualquiera, logrando que las referencias reales queden de lado (algo casi imposible de lograr). Un film sobre el demónico poder, la corrupción del alma y las relaciones morales. Julieta Aiello 05. Alanis Anahí Berneri Sofía Gala protagoniza la historia de una trabajadora sexual que debe lidiar con el machismo, el sistema y los prejuicios. Su actuación resulta avasallante y a la vez es cauta, medida y simple pero siempre revestida de una tensión que va in crescendo y que solo Anahí Berneri (Por tu culpa, Aire Libre) supo plasmar. Planos simples que se meten en la cotidianidad (o no tanto) de sus problemas y una cámara que la acompaña todo el tiempo en su sinuoso camino por criar a su hijo pese a las adversidades. Un film crudo, realista e intimista. Luis Mendoza 04. Get Out! Jordan Peele El debut de Jordan Peele en la dirección no pudo ser más arriesgada y mejor. Una apuesta que sorprende en cada giro del guión, transformando a este thriller en una entretenida y angustiante visita del personaje afro-americano de Chris (Daniel Kaluuya) junto a su novia Rose (Allison Williams) a la casa de los suegros más extraños del mundo. Lo que es mucho decir, para los que tenemos y tuvimos suegros. Quizás, para los que aún no la han visto, una de las mayores virtudes de este film es su originalidad, en una época en que solo vivimos de remakes y blockbusters de superhéroes. Y ahora, que se abre la temporada de premios en suelo norteamericano, seguramente Get Out será una de esas elegidas. Alejandro González 03. Toni Erdmann Maren Ade La relación entre un padre y su hija es el pretexto que utiliza la directora alemana Maren Ade para exponer a una Rumania en crisis y a una sociedad fracturada. Si el punto de partida puede parecer pretencioso o incluso melodramático, Toni Erdmann se encarga de sorprenderte convirtiéndose en la comedia más imaginativa y conmovedora de los últimos años. Es una película esquizofrénica capaz de pasar de la risa más efusiva al drama más agridulce sin perder la cadencia ni un solo minuto. Mención especial al lip sync descarnado que hace la protagonista principal de “The Greatest Love of All” de Withney Houston, 10 minutos que ya de por sí hacen que las casi tres horas de duración valgan la pena. Federico Del Val 02. Baby Driver Edgar Wright Son algo más de 5 minutos en que “Bellbottoms” de Jon Spencer Blues Explosion suena al ritmo de una de las más alocadas y adrenalínicas escenas de persecución de los últimos años. Baby (Ansel Elgort), es un joven y diestro conductor, el cual sufre un problema auditivo que solo puede atemperar con un par de audífonos y buena música. Su habilidad al volante es usada por Doc (Kevin Spacey) un criminal que reúne a otros para asaltar bancos y lugares con valor. Jon (Don Draper) Hamm, sale del eventual encasillamiento que le otorgó trabajar casi 8 años en Mad Men, a través de un papel de delincuente y villano circunstancial que le da brillo a la historia. Si bien hacia el final, el film de Edward Wright adopta un camino algo errático, se trata de una de las grandes apuestas de este año. Alejandro González 01. Zama Lucrecia Martel La producción de Lucrecia Martel que deslumbró a sus espectadores. Una apuesta artística de gran calibre con un resultado exquisito. La adaptación de la novela homónima de Antonio Di Benedetto a la pantalla grande se convirtió en uno de los films más celebrados del año, con excelentes repercusiones en la crítica nacional e internacional. El letargo que vive de Diego de Zama, en la espera permanente, con la amenaza de un enemigo inminente, crea un clima denso y por momentos de tinte fantástico onírico. La elegida para los premios Oscar representa una excelente adaptación tanto literaria como histórica con actuaciones de gran nivel, profundidad en su narración con una fotografía más que imponente. Julieta Aiello 20-11 10-1

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