El cine está viviendo una época extraña que muchos definen como el fin del séptimo arte y otros reconocen como uno de los grandes momentos de su historia. Posiblemente no estemos en ninguno de los dos extremos pero, sin dudas, asistimos a una etapa de constante producción y de narrativas diversas que dan cuenta de la amplitud de miradas e historias.
En esta lista colaborativa hemos reunido películas de diferentes partes del mundo, autores consagrados, nuevas voces y diversidad de géneros. La posmodernidad llegó al cine hace décadas y, mientras asistimos a la decadencia de muchas producciones del mainstream, también somos parte de una época repleta de propuestas apasionantes.
A continuación, las 25 mejores películas de 2025 según Indie Hoy:
25. Bugonia
Dir: Yorgos Lanthimos
Bugonia cuenta la historia de una exitosa CEO que es secuestrada por un dúo de conspiranoicos que aseguran que es un alien. Esta es una nueva versión del film surcoreano de 2003, Save the Green Planet!, con el sello de Yorgos Lanthimos y una fuerte impronta de comedia negra. El nihilismo de Bugonia no hace del realizador griego un antihumanista, sino un estudioso de nuestra especie y del funcionamiento de la maquinaria social desde el extrañamiento.
Aquello que nos parece cotidiano, el director lo expone desde lo improbable, y así logra el distanciamiento necesario para llevar a cabo su crítica social. Así como sus personajes están automatizados por sus objetivos, la película se presenta fría y calculada —otro aspecto que define la obra de Lanthimos—, aunque no por ello menos disparatada y afilada en su sátira. - Julieta Aiello
24. La mujer de la fila
Dir: Benjamín Ávila
La voluntad de una madre y el desamparo de un hijo son los pilares que sostienen el punto de ataque de La mujer de la fila. Una historia inspirada en hechos reales, con raíces en una sociedad marcada por los prejuicios, los tabúes y la escasa visibilidad de los familiares de detenidos. Andrea (Natalia Oreiro) es una madre soltera que se sorprende ante la irrupción forzada de la policía en su casa, buscando a su hijo mayor, y ordenando su detención inmediata. Desconcertada comienza a acercarse al penal, donde se mezcla con personas que, en el círculo social de su vida de clase media, jamás habría conocido.
Un aspecto central para comprender el personaje de Andrea es la mirada que los demás tienen sobre ella. La controversia del no pertenecer la atraviesa tanto a ella, en libertad, como a su hijo, privado de la misma. Su camino parte de un punto de extranjería para convertirse en una más del montón; su personaje se mueve por intuiciones e impulsos para conseguir todo lo que esté a su alcance, y es precisamente en el momento en que interviene el Estado cuando todo lo que creía certero sobre su familia se le escurre de las manos como una sustancia líquida. La mujer de la fila aborda cuestiones interesantes para los tiempos que corren, donde los derechos de las personas menos resguardadas son puestos en duda sin permitirles un debate justo. - Lisardo Quevedo
23. Un dolor real
Dir: Jesse Eisenberg
Con toques de la neurosis de Woody Allen y el dramatismo familiar de Noah Baumbach, Jesse Eisenberg construye una película que está repleta de preguntas sin respuestas y de planteos que son opuestos pero igualmente válidos, como los dos personajes principales. Esta comedia dramática de corte indie norteamericano cuenta la historia de dos primos judíos que viajan a Polonia para hacer un tour sobre el Holocausto y conocer la casa donde vivió su abuela, quien falleció meses atrás.
Un dolor real ironiza y critica la mercantilización del sufrimiento, aunque también objeta el adormecimiento de la vida capitalista y adulta. A pesar de tener personajes estereotipados, la película logra mostrar el ya conocido mensaje de que «los locos» tienen la verdad, y que no sería tan malo —al menos de tanto en tanto— dar rienda suelta al dolor en una sociedad que nos exige la constante felicidad. - Julieta Aiello
22. Nickel Boys
Dir: RaMell Ross
Este drama cuenta la historia de dos adolescentes afroamericanos que se conocen dentro de un cruel reformatorio e intentan sobrevivir a los abusos, el racismo, la lejanía con la familia y la inminencia de un futuro poco prometedor. Nickel Boys es una película de denuncia que recurre a la inclusión de imágenes de archivo y detalles periodísticos para legitimar el discurso histórico. El sufrimiento, la injusticia, la lucha y la resiliencia son parte fundamental de la historia, pero es lo formal lo que prevalece y hace de esta pieza una rara avis.
Para narrar la historia de estos jóvenes, el director apuesta por la cámara subjetiva durante grandes porciones del relato. Esta decisión, conectada con la gran cantidad de planos detalle, idas y vueltas temporales y elipsis narrativas, hace que el film deseche el relato clásico y desafíe al espectador en la comprensión de los hechos. Sin embargo, lo más importante —la vivencia individual del horror y el racismo— queda claro sin la necesidad de ser explícito.
21. El príncipe de Nanawa
Dir: Clarisa Navas
La correntina Clarisa Navas descubrió a Ángel Stegmayer por casualidad, mientras se encontraba filmando el primer capítulo de una serie para la televisión pública en la pequeña localidad de Nanawa, principal paso fronterizo ubicado en el límite entre Argentina y Paraguay. Dentro de ese entorno caótico, algo en ese chico rubio de nueve años llamó su atención. Insistía en hablar y lo hacía con determinación, elaborando razonamientos de un modo poco usual para alguien de su edad. Deslumbrada por su espontaneidad y lucidez, Navas sintió que ahí había algo. En principio, un personaje.
Nunca imaginó que ese contacto inicial derivaría en una larga serie de intercambios y viajes que se extendería a lo largo de diez años. El resultado del periplo, que culmina con el ingreso de Ángel a la vida adulta, es una película enorme en más de un sentido. Un retrato humilde y familiar de casi cuatro horas de duración, donde el tiempo es a la vez gesto político, materia prima y antídoto contra el olvido. - Marina Cimerelli
20. Bajo las banderas, el sol
Dir: Juanjo Pereira
Para su ópera prima, el paraguayo Juanjo Pereira hizo una monumental reconstrucción audiovisual del régimen de Alfredo Stroessner, uno de los proyectos autoritarios más longevos de América Latina, que duró 35 años. Pereira rastrea, rescata y monta un vasto archivo —cine propagandístico, noticieros, emisiones televisivas públicas, documentos desclasificados y filmaciones dispersas por múltiples países, pero sobre todo de Francia— para tejer un relato de poder, imagen y olvido. El hallazgo es tanto historiográfico como estético: el material que alguna vez sirvió para legitimar un régimen se vuelve, décadas más tarde, una prueba de manipulación, mito nacionalista y control social.
El valor de Bajo las banderas, el sol radica en su método: no hay entrevistas ni testimonios contemporáneos. Su fuerza está en las imágenes mismas, en su montaje, en su diseño sonoro inquietante y en la tensión que resulta de los contrastes entre propaganda oficial y documentos de archivo extranjero. La potencia del film, ganador de la Competencia internacional del último BAFICI, también radica en su vigencia: este trabajo no solo recupera un pasado silenciado del Paraguay, sino que interpela al presente. En palabras del propio Pereira, lo que comenzó como una película sobre el pasado terminó revelándose como una advertencia sobre democracias frágiles y memorias vulnerables. - Rodrigo Piedra
19. The Last Showgirl
Dir. Gia Coppola
Esta película podría catalogarse junto a otros grandes títulos de los últimos tiempos: La sustancia, La hermanastra fea y Anora. Protagonizada por Pamela Anderson, The Last Showgirl muestra la decadencia de una bailarina de Las Vegas: el fin de su carrera ha llegado no solo por su edad, sino también porque el espectáculo del que forma parte ha quedado obsoleto para el entretenimiento de hoy. Ella luchará por no aceptar esta realidad mientras su precaria vida se derrumba.
El film de Gia Coppola es el gran logro actoral de la carrera de Anderson, quien comparte muchos aspectos de la vida de la protagonista; tal vez por eso encarna el papel con gran entrega emotiva. Desde la estética del cine indie norteamericano, el film se posa en los espacios marginales de una ciudad que está diseñada para el entretenimiento y encandilar a sus visitantes, pero que está construida sobre la soledad y el descarte. -Julieta Aiello
18. Frankenstein
Dir: Guillermo del Toro
Desde El espinazo del diablo, pasando por La forma del agua, Pinocho y la flamante Frankenstein, Guillermo del Toro ha abordado la temática de la otredad como aquello que nos aterroriza, pero que, si lo miramos con delicadeza, puede estar más cerca de la bondad que los propios humanos. Tanto la novela de Shelley como esta nueva adaptación ponen en juego tres conceptos clave que se entrecruzan constantemente: Dios, humano y monstruo. Ya no estamos frente a una dicotomía clásica, sino ante tensiones más complejas, porque vemos a un hombre oficiar de Dios y, por ello, acercarse a su propia "monstrificación", mientras observamos a un monstruo adquirir lenguaje y civismo para devenir en “humano”.
Resignificar lo humano y lo monstruoso se inscribe en una larga tradición tanto literaria como cinematográfica: así lo vemos en El hombre elefante, Solo los amantes sobreviven, La bella y la bestia, entre tantas otras historias. En esta nueva película de Frankenstein, el director cuestiona los avances científicos como triunfos puros, expone lo miserable del ser humano y enaltece al monstruo que ha aprendido, desde las sombras, a construirse como un ser bondadoso. - Julieta Aiello
17. Algo viejo, algo nuevo, algo prestado
Dir. Hernán Rosselli
La tercera película de Hernán Rosselli se centra en el universo de la familia Felpeto, quienes administran un negocio de apuestas en el conurbano bonaerense. Con la muerte del padre, madre e hija quedan a cargo del negocio familiar y deben enfrentarse a la inminencia de los allanamientos policiales que tienen a toda la zona en vilo.
Tal como anticipa su título, Algo viejo, algo nuevo, algo prestado se asienta sobre la tradición. No solo aquella que indica los objetos que nos darán suerte en un matrimonio, sino la tradición de un negocio familiar, del cual Rosselli nos muestra los entretelones. Es sobre esa misma tradición que la protagonista busca completar la memoria -en paralelo a la amenaza de la ley-. La película de Rosselli es tan tierna como rabiosa; logra crear un universo íntimo, del cual el espectador es parte por menos de dos horas pero llega a conocer los detalles más crudos de la familia, las lógicas clandestinas y la necesidad del recuerdo. - Julieta Aiello
16. Bring Her Back
Dir: Danny y Michael Philippou
Lo nuevo de Danny y Michael Philippou se inscribe en la tendencia actual del terror estilizado, con narrativas que integran múltiples capas de sentido. En este caso, el eje está puesto en la imposibilidad de aceptar la muerte: la madre adoptiva, marcada por la pérdida de su hija en un accidente, se enfrenta a un dolor que la empuja hacia la locura y la abre a la posibilidad de recurrir a fuerzas sobrenaturales. Bring Her Back narra la historia de dos hermanos que, tras la inesperada muerte de su padre, son entregados a una madre adoptiva. Una niña ciega y un adolescente al borde de la mayoría de edad, con claros rasgos violentos, llegan a este hogar transitorio donde descubrirán aspectos tan escalofriantes como inquietantes.
El terror actual ha dejado claro que ninguna película logrará conquistar a la crítica y al público si no cuenta con una historia sólida respaldada por múltiples aristas: una delicadeza estética, una valentía visual que se atreva a ir más allá de lo explícito, personajes construidos con profundidad y una trama potente. Bring Her Back cumple con todos estos requisitos de manera impecable y electrizante, ofreciendo una experiencia que no pierde intensidad ni un solo segundo. - Julieta Aiello
15. Las corrientes
Dir: Milagros Mumenthaler
Este drama de gran carga simbólica narra la historia de Lina, una mujer que se encuentra en la cima de su carrera profesional y ha formado una familia dentro de los cánones tradicionales, pero se siente insatisfecha. Ese sentimiento, indescifrable para ella, la impulsa a intentar quitarse la vida arrojándose a un río. Su muerte no se concreta, pero a partir de ese momento se enfrenta a un trauma que desestabiliza por completo su existencia. En la nueva película de Milagros Mumenthaler, protagonizada por una hipnótica Isabel Aimé González Solá, nos encontramos frente a una mujer perturbada y perturbadora. Como en muchas ficciones actuales, el rol femenino —ya sea en la maternidad, el trabajo, la pareja o la relación consigo misma— ha adquirido una profundidad y complejidad cada vez mayores, y Las corrientes refleja esta tendencia con gran maestría y frescura.
En Las corrientes, la protagonista deberá revisar su rol de hija, madre, esposa, amiga y profesional. En una crisis existencial total, el agua la aterroriza: ese elemento que puede representar tanto el origen —el lugar del que venimos en el vientre— como el espacio de la calma o la sensación del ahogo irremediable. En este film, la corriente no se lleva las cosas; más bien las agita y las desordena. Y, como en una narrativa propia del cine de terror, la protagonista deberá enfrentarse a sus espacios más oscuros, a sus mayores temores, para desentrañar la “maldición”. - Julieta Aiello
14. El agente secreto
Dir. Kleber Mendonça Filho
El éxito de su más reciente largometraje termina de consolidar a Kleber Mendonça Filho como uno de los realizadores más interesantes y agudos del cine brasileño contemporáneo. Con la ciudad de Recife como epicentro y un relato coral estructurado en capítulos, el film se sumerge durante casi tres horas en el oscuro período de la dictadura militar de 1977, en una Brasil retratada mediante una rigurosa y magistral reconstrucción de época.
El carnaval es la excusa para reflejar el estado de cosas, esa aparente normalidad que reinaba en la superficie mientras por debajo habitaba lo monstruoso, y es también el contexto en el que un enigmático y estoico Wagner Moura interpreta a Marcelo, un experto en tecnología perseguido por el régimen, que intenta construir una nueva vida y recuperar a su hijo. Lejos de anclarse en la solemnidad, Mendonça Filho combina thriller político con algo de relato de espías, drama familiar, y entrañables homenajes al cine de género de los setenta. El relato que se cocina a fuego lento, la fragmentación temporal y su estructura caleidoscópica pueden desorientar al comienzo, pero no se trata de un ejercicio ambicioso. El agente secreto es ante todo un film profundamente vital, una celebración del cine como hecho cultural y espacio de resistencia. -Marina Cimerelli
13. La virgen de la tosquera
Dir: Laura Casabé
La virgen de la tosquera está inspirado por el cuento homónimo y el cuento “El carrito” de Mariana Enriquez, que forman parte de la antología Los peligros de fumar en la cama (2009). En palabras de la directora, esta película resulta ser más una transposición que una adaptación literaria ya que, de la mano del guionista Benjamín Naishtat, realizan un trabajo cargado de impronta personal desde el respeto y admiración a la escritora argentina, al cine clásico y al terror de los setentas.
Laura Casabé logra recapitular el malestar que se vivía en la Argentina del momento desde el punto de vista de la joven y sus aflicciones. Cargada de broncas y tormentos, conectada con una fuerza misteriosa, Natalia entiende que posee un poder especial que la incita a percibir y coquetear con lo sobrenatural, aquél componente tan característico de los cuentos de Enriquez. Lo que podría ser un simple drama redobla su apuesta invocando figuras oscuras, sincretismo religioso, mitologías criollas, magia negra y violencia sanguinaria. Aquella presencia de lo que no terminamos de comprender resulta tan escalofriante como el rojo de la sangre que gotea y las moscas que revolotean lo podrido en La virgen de la tosquera. - Julieta Szwarcman
12. Eddington
Dir: Ari Aster
Ari Aster sale de su zona de confort y se pone frente a un relato que connota una fuerte crítica social y política en una pequeña ciudad de los Estados Unidos durante la pandemia de covid-19. ¿Quién tiene la verdad en un entorno donde lo incierto es absoluto y el desasosiego reina en todo el mundo? El concepto de comunidad se ve afectado por desencuentros entre pares, donde la sed de poder funciona como combustible que amenaza con incendiar todo, y las tensiones raciales son el disparador de un posible destino fatal.
Los medios de comunicación dicen presente como grandes manipuladores ante la desinformación, que moldea a los habitantes de dicho pueblo, sacándolos de sus casillas y enfrentándolos entre sí, intensificando el miedo y el egoísmo que mata toda solidaridad. El terror sigue presente, como en sus anteriores películas, pero desde la pura realidad social, un miedo palpable, tangible, que se posiciona en un evento canónico que ha atravesado a todos los habitantes del planeta. Un filme que expone, sin disimulo, el colapso moral y emocional de un mundo que ya no volverá a ser el mismo. - Lisardo Quevedo
11. Cónclave
Dir: Edward Berger
La historia se centra en la elección de un nuevo Papa ante la repentina muerte del pontífice. Mientras un grupo de cardenales se reúnen en un cónclave, las grietas entre ellos no tardan en salir a la luz. Uno de los puntos más interesantes de la película es su planteo sobre la inestabilidad de la Iglesia frente al avance de la modernidad.
Las identidades diversas, el rol de la mujer en la sociedad y en la Institución, la convivencia con inmigrantes y creencias ya no son banderas de revoluciones, sino la misma realidad que atropella y a la que la Iglesia no puede seguir ignorando. Cónclave recoge un tumultuoso clima de época atravesado por la inmigración de musulmanes en Europa, la crisis de la fe cristiana y la visibilización de diversas identidades de género. Incluso, podríamos decir que existe un guiño al Papa Francisco con la presencia de un personaje clave latino y de fuerte conciencia social. - Julieta Aiello
10. Gatillero
Dir: Cristian Tapia Marchiori
Un relato frenético situado en la Isla Maciel, no solo como espacio, sino como un personaje más que refleja la marginalidad y el abandono por parte del Estado. Al mejor estilo western, constituye una tierra de nadie, y es ahí donde un ex sicario regresa de su estadía en la cárcel y acepta un trabajo que lo vuelve a hundir en un mundo lleno de violencia, peligro, caos y traiciones. Un héroe cuestionable, con dudosa moralidad y un pasado que no puede borrar, del que intenta escapar y buscar una posible redención.
Una historia de cowboys, gangsters y piratas del asfalto en el conurbano profundo que, disfrazada de banalidades y con una primera capa de pura acción y enfrentamientos, esconde una fuerte crítica a la corrupción, las injusticias y la connivencia policial. Filmada en un soberbio plano secuencia, toma recursos y tropos de géneros variados, como el thriller, el policial y las películas de acción norteamericanas, otorgándoles una mirada realista y analítica de la sociedad argentina. - Lisardo Quevedo
9. La chica de la aguja
Dir: Magnus von Horn
Basada en la historia real de la asesina en serie danesa Dagmar Overbye, esta cruenta película cuenta la historia de una mujer pobre y desamparada que decide dar en adopción a su bebé. Luego de que otra mujer la ayude, será parte de una red de venta de niños sin saber la oscura verdad detrás de este mercado.
Con una mirada feminista, la película contrasta la belleza formal con imágenes perturbadoras. Mientras visibiliza la vida sin opciones de las mujeres durante la Primera Guerra Mundial, también se hace eco de la hipocresía de una sociedad que se escandaliza con la muerte pero busca eliminar aquello no deseado de la manera más implícita posible. La chica de la aguja es una de las películas más potentes de este año, no solo por la historia que narra, sino también por la entrega de sus actrices, la elección estética ligada al Expresionismo alemán y por poner sobre la mesa la doble moral de una sociedad desahuciada. -Julieta Aiello
8. La hora de la desaparición
Dir: Zach Cregger
La hora de la desaparición se inscribe en esta línea de películas que convocan a públicos amplios para narrar una historia sobrenatural, pero que también plantean un estado social. La premisa es tan simple como aterradora: una noche como cualquier otra, 17 niños —todos pertenecientes al mismo curso escolar— se van de sus casas a las 2:17 de la mañana sin dejar ningún tipo de rastro.
Si bien estamos frente a una película que tiene al entretenimiento como una de sus vías narrativas, su planteo se dispara por encima del hecho sobrenatural en sí para hablar sobre el poder, la desprotección infantil, la ausencia de las instituciones y la idea de que cualquier persona, si analizamos íntimamente sus demonios, puede ser la responsable de una pesadilla. - Julieta Aiello
7. Fue solo un accidente
Dir: Jafar Panahi
Tal como lo indica el título, en la película de Jafar Panahi todo empieza con un simple accidente: un hombre atropella a un perro en medio de la noche, y el impacto en el coche lo obliga a buscar ayuda en un taller cercano. Allí, un trabajador cree reconocer en ese padre de familia a quien fue su torturador en la cárcel, y decide secuestrarlo. Aunque esta vez optó por una narrativa clásica en términos formales y estéticos, la sencillez a la que alude Panahi funciona como excusa para abordar cuestiones bastante más complejas y universales.
Con pulso hitchcockiano y una atmósfera claustrofóbica, el multipremiado director iraní se las ingenia para narrar el horror y plantear profundos dilemas morales sin perder el sentido del humor ni abandonar su incansable espíritu de denuncia, ese que lo llevó a desarrollar casi toda su carrera en la clandestinidad desde que fue encarcelado por el gobierno de su país, acusado de “propaganda contra el régimen”. El film ganó la Palma de Oro en el Festival de Cannes, pero el triunfo se vio opacado por otra nueva condena a un año de prisión. Seguramente Panahi seguirá haciendo lo que mejor sabe hacer: convertir su cine en todo un símbolo de resistencia. - Marina Cimerelli
6. La hermanastra fea
Dir: Emilie Blichfeldt
Como parte de la tendencia de relatar el origen de los villanos, esta ópera prima de origen noruego retoma el cuento de La Cenicienta, pero desde el punto de vista de una de sus hermanastras. Si La sustancia nos somete al padecimiento de una mujer adulta que es descartada por la industria del entretenimiento, en La hermanastra fea asistimos a la locura de una joven que debe transformar su cuerpo a cualquier costo para ser elegida por el príncipe.
El film también se inscribe en las narrativas actuales de body horror comandadas por mujeres y así introduce temáticas como los desórdenes alimenticios, la tolerancia al dolor para lograr la belleza hegemónica, el mandato estético que tortura a las mujeres y adolescentes, y el delirio social por las cirugías estéticas. A pesar de estar frente a una película de época, este film parece narrar nuestra actualidad. Todo aquello que nos impresiona no está lejos de lo que sucede en los centros estéticos que no dejan de proliferar y en el fin último que se le asigna a la mujer para ser valiosa dentro de una sociedad: ser elegida y, por ende, legitimada por un hombre. - Julieta Aiello
5. El brutalista
Dir: Brady Corbet
El brutalista narra la historia de un arquitecto judío que, luego de la Segunda Guerra Mundial, huye hacia Estados Unidos en busca de una vida mejor, mientras espera que lleguen su esposa y su sobrina. Allí conoce a un millonario que le dará la posibilidad de construir una obra arquitectónica de gran escala, que también le permitirá recuperar su reputación. Esta obra que parece ser su salvación, será también su condena.
El descenso hacia la locura, la revelación de que el sueño americano no está habilitado para los judíos, el recuerdo constante de la guerra y la bofetada del capitalismo serán los elementos que irán ennegreciendo la vida del protagonista. Adrien Brody hace un trabajo magistral en esta película -que por momentos recuerda a su papel en El pianista– y desarrolla un carácter con más aristas, reprochable en varios momentos y víctima en diferentes niveles. - Julieta Aiello
4. Flow
Dir. Gints Zilbalodis
Lejos de la grandilocuencia del cine de animación actual, esta película de Letonia logró enamorar a las audiencias desde la producción rudimentaria e independiente. Flow es la prueba de que una gran historia puede prescindir de los grandes artificios y movilizar con efectividad.
El film mudo tiene como protagonista a un gato que se encuentra en una tierra devastada por una inundación. Los humanos ya no existen y debe unirse a una comunidad de animales para salvarse. Se trata de un film de aventuras en el que la idea de que nadie se salva solo es la rectora. Mientras atraviesan enormes peligros y cada animal debe luchar con sus instintos para lograr el bien común, el espectador asiste a un relato tan desesperante como emotivo. - Julieta Aiello
3. Belén
Dir: Dolores Fonzi
Belén es una de las películas argentinas más importantes de este año. La película está basada en hechos reales y narra la historia reciente de una joven tucumana condenada a prisión por homicidio —acusada de haber abortado—, aun cuando ella no sabía que estaba embarazada y llegó a una guardia con un dolor abdominal, donde nadie registró la posibilidad de que estuviera encinta.
Dirigida y protagonizada por Dolores Fonzi, Belén es, además de un film de gran potencia político-social, una película profundamente emotiva, sobre todo para quienes formaron parte de las luchas feministas de los últimos años en Argentina. Al haber sido una de las involucradas activas en estas luchas, Fonzi logra retratar con verosimilitud el avance de la cuarta ola feminista, la unión de las mujeres frente a una causa injusta y las aberraciones de la prensa, incluso con guiños a muchos de los discursos que circularon durante el debate por la Ley de Interrupción Voluntaria del Embarazo. -Julieta Aiello
02. Aún estoy aquí
Dir: Walter Salles
Entre los grandes triunfos cinematográficos de este año se encuentra el drama histórico de Walter Salles. El film brasileño se planta con una mirada crítica y política para operar como rescate de la memoria y contar la historia de una mujer que pierde a su marido durante la dictadura, mientras se hace cargo de sus hijos y lucha por la verdad.
Aún estoy aquí es un triunfo histórico para Brasil por cómo opera el revisionismo histórico y la denuncia desde un relato intimista, pero que funciona perfectamente como universal, y también por la visibilización de su cine a nivel mundial -la película ganó el Oscar a Mejor película internacional-. En esta historia protagonizada por Fernanda Torres —quien desarrolla uno de los papeles más sobresalientes de este año— asistimos al dolor en primera persona, a la transformación de dicho dolor como arma política y a las múltiples maneras en que la memoria puede mantenerse viva, incluso cuando nuestro cuerpo es víctima del olvido. -Julieta Aiello
01. Una batalla tras otra
Dir: Paul Thomas Anderson
La más reciente entrega de Paul Thomas Anderson cuenta la historia de la hija de dos exrevolucionarios, quien intenta vivir una vida lo más normal posible, hasta que el enemigo íntimo de sus padres regresa para buscarla 16 años después. Su padre se ha convertido en un paranoico dependiente de la marihuana y el alcohol, mientras que su madre desapareció cuando ella era solo una niña.
Luego de ver Una batalla tras otra, solo queda la admiración y el placer prolongado, incluso fuera de la sala de cine. Las actuaciones son superlativas; las decisiones narrativas —sobre todo la extensa y desenfrenada introducción— son tan delirantes como cautivantes; y los recursos formales, asombrosos, como la persecución de autos, que se convierte en la gran vedette del film. - Julieta Aiello
