El 2021 fue el año de la vuelta de los cines. Luego de vivir un 2020 que parecía avecinar la muerte del cine como experiencia colectiva, este año pudimos presenciar la vuelta a las salas al tiempo que un fortalecimiento de las plataformas de streaming y sus producciones originales.
Afortunadamente, las cinematografías del mundo resistieron al embate de la pandemia y 2021 vio el estreno de films que fueron filmados tiempo atrás y otros que se hicieron con los avatares de un virus atacando a nivel mundial y la imposibilidad de tener contacto. La lista de películas del año para el equipo de Indie Hoy incluye obras ostentosas y otras que solo contaron con lo justo y necesario para seguir contando historias o que incluso resignificaron los recursos.
Hablar de nuestro tiempo y de la cultura es hablar también del reinado del correccionismo político, un efecto colateral de épocas convulsas social y políticamente, en las que vemos revertirse los órdenes tradicionales mientras conocemos nuevas maneras de mirar y de decir. El cine no ha sido ajeno a ello y mientras muchos films se acartonaron en lo parámetros morales de lo correcto y lo incorrecto, otros ofrecieron narrativas alternativas, que exploran temáticas contemporáneas con una óptica que se posiciona más desde el arte que desde el cumplimiento de una agenda y que siguen postulando la necesidad imperiosa de contar historias. Estos últimos son los que hemos seleccionado en la siguiente lista, aquellos que no solo van un paso más lejos de lo estipulado, sino también aquellos que siguen apostando a renovaciones narrativas y estéticas en un momento histórico y cultural en el que el séptimo arte parece ofrecer productos ultraprocesados y de consumo instantáneo y megaproducciones que poco se asemejan a “lo real”. El equipo de Indie Hoy seleccionó 25 películas que representan algunas de las propuestas más osadas, películas de diferentes nacionalidades y géneros, intentando desplegar un abanico de la pluralidad que caracteriza a este arte.
25. Nuevo orden
Dir: Michel Franco
El director mexicano Michel Franco entrega un formidable film que relata de manera distópica la lucha de clases. En un casamiento de ricos se vive el levantamiento anárquico que lleva a cabo la clase baja de la sociedad mexicana. Con violencia, venganza y fuerza popular, los pobres se adueñan de la sociedad y crean una rabiosa dictadura en la que no perdonan a nadie. Atentando primeramente contra la propiedad privada y luego contra la incorruptible identidad de clase, los revolucionarios toman una fortaleza que proviene de décadas de opresión y que deja a la vista la polarización. De todos modos, el planteo de Franco no se vuelve fantasioso sino realista: finalmente solo basta una orden desde arriba para destruir un levantamiento popular. – Julieta Aiello
24. The Assistant
Dir: Kitty Green
El movimiento Me Too revolucionó a la industria del cine. En 2017 surgió en Hollywood un levantamiento colectivo de mujeres que trabajan en el medio y que sufrieron maltratos, acoso y/o abuso y decidieron decir basta, siendo el productor Harvey Weinstein el principal acusado. Más allá de las redes sociales, el fenómeno pasó al cine y así nació The Assistant, una película más que singular por estar repleta de elipsis y proponer lecturas entre líneas y al mismo tiempo denunciar el abuso en el seno de Hollywood. El film de Kitty Green nos sumerge en un día de trabajo de una asistente de un pez gordo de la industria del cine estadounidense. En su agotadora jornada laboral sufre destratos, burlas y también debe limpiar (literalmente) los rastros de abusos de su jefe, a quien nunca vemos y no es nombrado pero hace alusión a Weinstein. The Assistant nace como un síntoma de época y tiene la originalidad de contar un relato de manera cómplice con el espectador. – Julieta Aiello
23. Dune
Dir: Denis Villeneuve
La mítica novela escrita por Frank Herbert en 1965 arrastraba una maldición en su traslado a la gran pantalla. Hasta el día de hoy, en la comunidad cinéfila Dune significaba tanto la obsesión de Alejandro Jodorowsky como el remordimiento de David Lynch. Sin embargo, más de cincuenta años después de su publicación, el proyecto resurgió de las cenizas comandado por Denis Villeneuve. Tras demostrar que era la persona indicada para romper el maleficio, con clásicos de la ciencia ficción contemporánea de la talla de Arrival (2016) y Blade Runner 2049 (2017), el cineasta canadiense se puso al hombro el ambicioso proyecto para infundir y legitimar el peso de la historia del séptimo arte en una epopeya sideral alucinante. La nueva adaptación redobló la apuesta de sus antecesoras a fin de mimetizar la consistencia literaria en dos entregas continuas. Llega el final, pero no termina: la primera parte de Dune es una experiencia narcótica que provoca un despertar sensorial durante dos horas y media de pura intensidad. – Juampa Barbero
22. CODA
Dir: Sian Heder
CODA logró ganarse el corazón del público y la crítica. La historia de una chica que vive en el seno de una familia en la que tanto sus padres como su hermano son sordos y descubre su pasión (y talento) para la música, se volvió una verdadera pieza emotiva, cómica y con todos los condimentos para encontrarse entre lo mejor del año. CODA funciona como una remake de La familia Belier, film francés de 2014. Hollywood decidió abordarla a su manera, visibilizando temáticas que suelen quedar por fuera de las narrativas habituales: la discapacidad, la necesidad de un otro que se haga cargo de nosotros, la libertad que pierde el “cuidador” y las dificultades de decir no a la familia. La protagonista, una joven en pleno momento bisagra de su vida, entra en tensión entre el deber y el deseo; en términos burdos, elegir entre su vida y sus sueños o su familia. La película, con toques cómicos, hace de esta problemática un drama más que digerible y signado por el cariño y la ternura. – Julieta Aiello
21. Errante corazón
Dir: Leonardo Brzezicki
El segundo largometraje de Leonardo Brzezicki es un drama denso sobre un hombre que vive una profunda crisis. Leonardo Sbaraglia es el protagonista casi total de esta historia que relata más un dilema interior que una trama episódica. Como en varias propuestas del cine argentino, vemos la turbulencia interna que vive Santiago, un hombre de mediana edad que batalla con las responsabilidades de la vida real mientras asiste a un desenfreno total de drogas, sexo y fiesta. Sbaraglia entrega todo para este papel: como los personajes de Gaspar Noé, enfrenta la vida a través de sangre, semen y lágrimas. Deleitándose en la promiscuidad que comparte con diversos hombres, también necesita ser maternado por su propia hija y solo busca un hogar, algo en lo que falla a cada paso. Errante corazón es un interesante retrato de adultos modernos con contradicciones, imperfectos y lejos de ser los héroes de sus hijos. – Julieta Aiello
20. Malignant
Dir: James Wan
James Wan deja la casas embrujadas y el universo de los Warren para entregar una auténtica película de terror. Malignant fue una de las propuestas más interesantes del año en lo que se refiere al género ya que entrega una historia escalofriante, conceptualmente signada por la dualidad y echando mano a la noción de doppelgäger. Wan mantiene la tensión hasta los minutos finales, enfrentando al espectador a un constante esfuerzo por dilucidar qué está pasando exactamente. Malignant permite varias lecturas, como la existencia del bien y el mal en un mismo ser, como la víctima y el victimario; además de homenajear diversos subgéneros del terror al incluir ciencia ficción a la Alien, slashers modernos, gore y body horror. – Julieta Aiello
19. Judas and the Black Messiah
Dir: Shaka King
Una de las candidatas al Óscar a Mejor película da la nota histórica e ideológica en torno a la lucha del Black Lives Matter, situada en la década de los 60 en Estados Unidos y en la organización interna de los Panteras Negras. Más específicamente, Judas and the Black Messiah ahonda en la figura de Fred Hampton, presidente de la organización y en la traición que vive de parte de uno de los miembros, quien se alía con el FBI. El film se destaca por su precisión histórica, por la revalorización de hechos que durante años fueron silenciados y ahora toman más relevancia en un contexto político de lucha y visibilización. Uno de los puntos más fuertes son los roles protagónicos de Daniel Kaluuya y Lakeith Stanfield y la banda sonora. De hecho, Kaluuya fue ganador del premio a Mejor actor de reparto en los premios de la Academia y la canción original “Fight For You” a cargo de H.E.R., Dersnt Emile y Tiara Thomas también se erigió con el correspondiente galardón. – Julieta Aiello
18. Las mil y una
Dir: Clarisa Navas
La película de Clarisa Navas es uno de los logros más interesantes del cine argentino de temática queer. Filmada en Corrientes, nos hace ingresar en el barrio Las mil viviendas. Allí, dos chicas jóvenes se conocen y descubren a través de charlas y caminatas por el barrio. Así conocemos sus presentes y parte de sus pasados: una joven inexperta se deslumbra con una chica mayor que ella, que marca la diferencia en el barrio y que se ha convertido en una suerte de mito por su agitada vida. El amor surge entre ellas a través de miradas, roces y aventuras cotidianas. – Julieta Aiello
17. Petite Maman
Dir: Céline Sciamma
La sucesora de Retrato de una mujer en llamas es una película minimalista que incita a la reflexión sobre los lazos familiares bajo el doloroso manto de la aceptación de la pérdida, pero que no se deja caer en la susceptibilidad de su conjetura. El resultado: un retrato enternecedor y elocuente acerca de la inocencia interrumpida, como si fuese un modo de subsanar la huella del componente dramático implícito. En Petite maman, Céline Sciamma revela la candidez de su poética al sondear la perspicacia de la niñez a través de la validación introspectiva de sus protagonistas femeninas. Una cabaña en el bosque es el escenario ideal para dejar florecer con total frescura una historia de amistad tan encantadora como desgarradora, mientras la ingenuidad y la pureza infantil se desvanecen en travesuras y revelaciones. – Juampa Barbero
16. The French Dispatch
Dir: Wes Anderson
The French Dispatch tiene una estructura narrativa singular. Como anticipa una placa inicial en negro, la película “consta de un obituario, una breve guía de viajes y tres reportajes”. El cuerpo del nuevo film de Wes Anderson se divide en secciones a la manera del tipo de publicación semanal que homenajea, revistas como The New Yorker o, por citar un homologable local, el prestigioso semanario Primera Plana, editado en los sesentas. En términos cinematográficos, lo que tenemos aquí son dos cortos y tres mediometrajes. Infinidad de escenografías y decorados -cada vez más expresionistas en su artificialidad- con miles de detalles y la proliferación incesante de personajes, todos amigxs de la casa en el habitual elenco estelar del que el director dispone. Anderson es un director que se dedica a deleitar a su audiencia en la constante estimulación y The French Dispatch no es la excepción. – Nayla Loza
15. Fue la mano de Dios
Dir: Paolo Sorrentino
Paolo Sorrentino entregó un coming of age autobiográfico que recorre la Nápoles de los 80, la tragedia familiar que vivió el director en su adolescencia y la llegada de Diego Maradona al equipo italiano. Fue la mano de Dios no solo remite a la frase que identifica el gol de Maradona a los ingleses, sino también a cómo metafóricamente el astro del fútbol lo salva. El 10 no es el único ídolo del director napolitano que circula por el film: aparece la estela de Fellini -influencia indiscutida dentro de su cine- y Antonio Capuano. Para este nuevo film, Sorrentino se aleja de la estética videoclipera que entregó en películas como Loro y La grande belleza; deja de lado los artificios estéticos para contar un melodrama realista, conmovedor e íntimo en el que por supuesto se destacan grandes y excéntricas escenas fiel a su estilo, aunque estemos frente al título más diferente dentro de su filmografía. Además de replegarse a su historia personal, el director de Youth logra hacer el homenaje definitivo al jugador argentino a un año de su muerte y luego de haberlo incluido de manera referencial en diferentes momentos de su carrera. – Julieta Aiello
14. Malcolm & Marie
Dir: Sam Levinson
Antes de estrenar su tercer largometraje a través de Netflix, Sam Levinson anticipó el estilo conversacional que prevalece en Malcolm & Marie con los dos especiales navideños de su serie Euphoria (Parte 1: Rue y Parte 2: Jules). La sucesora de Assassination Nation dilata un eterno presente descolorido, visceral y asfixiante, al cual no le es necesario elementos ajenos para ataviar el experimento cinematográfico; ni siquiera distorsionar el espacio-tiempo del relato gracias a los encuadres perfectamente delimitados que encierran al espectador y lo obligan a soportar lo insoportable. Nunca un flashback: los recuerdos develados por la pareja son a través de discusiones intrincadas que evitan la traición formal. Entre reproches y plegarias, se empieza a desfragmentar el idilio matrimonial con una propuesta casi teatral. A lo largo de la noche, los personajes transitan por varios estados de ánimo y pasan de un extremo a otro de la única locación. No obstante, podemos percibir que los lujos de la casa no sirven de nada frente la podredumbre del corazón. – Juampa Barbero
13. Pig
Dir: Michael Sarnoski
Michael Sarnoski dirige una película alternativa dentro del panorama cinematográfico actual. La historia se centra en un hombre que vive completamente aislado de la civilización y que solo se dedica a vender trufas que recolecta junto a su cerda. El inesperado robo del animal lo obliga a revincularse con la sociedad y poco a poco vamos conociendo su pasado. Entre las cosas que descubrimos nos enteramos que ha sufrido una irreparable pérdida y que era un chef altamente respetado. Este último aspecto trae a la narración la presencia de lo alimenticio y gastronómico que ingresa de manera delicada y artística, siendo esto lo único bello de un relato de venganza. Nicolas Cage es el protagonista de Pig y sorprende con una actuación altamente dramática, con un aspecto transformado y una violencia latente que oscila entre el rol del inadaptado y el del maestro: su personaje está motivado por el hecho de no tener más nada que perder. – Julieta Aiello
12. Memoria
Dir: Apichatpong Weerasethakul
Una década después de haber sido galardonado con la palma de oro por Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas, Apichatpong Weerasethakul volvió a fascinar al jurado del Festival de Cannes con su primer largometraje por fuera de su tierra natal. El realizador oriental se alejó de Tailandia pero no de su esencia cinematográfica. Emigró a la selva colombiana para recuperar la naturaleza de su autoría con una odisea hipnótica y profundamente conmovedora que nos adentra en un estado de trance mediante la fuerza espectral del sonido y del ritmo parsimonioso que enrarece el paisaje. Memoria retrata una historia poética e intrigante, cargada de simbolismos y con pocas ansias de suscitar el entretenimiento hollywoodense. Indudablemente, el film protagonizado por Tilda Swinton es austero frente a las grandes producciones que carecen de tiempo para diseccionar la mística que entraña el silencio. El silencio no vende, el silencio aburre, el silencio incomoda. Sin embargo, en una película como esta, es fundamental: el silencio dice mucho más que lo que calla la memoria. – Juampa Barbero
11. Promising Young Woman
Dir: Emerald Fennell
Con rasgos del cine de Quentin Tarantino, esta es la historia de una venganza pero con pasajes humorísticos y altamente pop. Una mujer extraña e indescifrable recorre los bares nocturnos en un intento de aleccionamiento: finge estar emborracha y prueba que todas las noches un hombre intentará aprovecharse de ella. La lógica del film es casi de superhéroes: ella lleva una vida pseudo infantil, viviendo con sus padres y trabajando en el café de su amiga y de noche se vuelve una justiciera. Con el correr de los minutos sabremos que ha perdido una amiga, víctima de una violación dentro de la universidad, y está dispuesta a todo para vengarla. El relato tiene como base el feminismo, la sororidad y la justicia por mano propia, estableciendo una fuerte crítica a la sociedad y las instituciones que prefieren hacer la vista gorda. Promising Young Woman se llevó el Oscar a Mejor guion original en la más reciente entrega de los premios. – Julieta Aiello
10. Minari
Dir: Lee Isaac Chung
Minari es una perfecta fábula de la búsqueda del sueño americano, operada por una familia de inmigrantes surcoreanos que en los 80 buscan progresar al tiempo que conservar sus raíces culturales e identitarias. Con rasgos autobiográficos, el director Lee Isaac Chung cuenta una ardua historia de supervivencia en la que la naturaleza tiene un rol fundamental y los recovecos de la familia, lo extraño y lo identitario se aúnan en el vínculo entre dos niños y su excéntrica abuela. El film de A24 plantea una mirada crítica por momentos de la idea de sueño americano al tiempo que parece enaltecerla, pero sí se cristalizan las problemáticas de la inmigración en la lucha idiomática, en la persistencia y el simbolismo del minari como raíz de lo cultural y en lo endogámico que parece ser destruido a cada paso. – Julieta Aiello
09. Historia de lo oculto
Dir: Cristian Ponce
Esta película en blanco y negro, cargada de metáforas sobre el cambio en la política, en las familias, en la figura de la mujer y la historia argentina, es quizás uno de los grandes éxitos del cine argentino independiente. Cristian Ponce, director de la obra, cuenta que si bien la productora Tangram Cine tiene varias obras humorísticas, fue cuando comenzaron a trabajar con Netflix que descubrieron que el terror volvía a tomar presencia en el mundo del cine y entretenimiento argentino. Historia de lo oculto cumple con esta premisa pero es a la vez una historia conspirativa y periodística sin perder el eje demoníaco. Los personajes de la historia están cargados de un pasado que no se revela desde un comienzo porque se espera que el espectador termine de completar estas historias. El eje principal de la noticia toma como referencia el antiguo programa televisivo Tiempo nuevo de Bernardo Neustadt. – Francisco Caselli
08. El poder del perro
Dir: Jane Campion
En La lección de piano, la obra maestra de Jane Campion, el instrumento homónimo servía como única vía de liberación para la mujer en su centro. En El poder del perro, la nueva película de la autora neozelandesa, su único propósito es el de tensar la sujeción bajo la cual se encuentra sumida el personaje de Kirsten Dunst. Esta ausencia de líneas de fuga sintetiza bien la cosmovisión contemporánea de Campion y, particularmente, el espíritu de este western deconstruido: cínico, asfixiante, tenso; un crescendo de dinámicas de poder fluctuantes donde Jonny Greenwood sonoriza la naturaleza cíclica de la violencia patriarcal y su inevitable quiebre. – Bartolomé Armentano
07. Otra ronda
Dir: Thomas Vinterberg
Thomas Vinterberg y Mads Mikkelsen son un dúo infalible. En su más reciente película juntos, director y actor entregan una obra de una increíble madurez, profundidad e identidad. Otra ronda fue coronada con el premio a Mejor película internacional en los Óscar de este año y se volvió uno de esos films a los que hay que presentarles atención. Un grupo de hombres de mediana edad, profesores de escuela y frustrados con vidas algo monótonas intentan un experimento en el que deben beber cierta dosis de alcohol cada día para alcanzar el bienestar. Así, la historia muestra la obsesiva búsqueda de la felicidad de las sociedades occidentales, acompasado con la cultura de justamente buscarlo en las sustancias. Lejos de ser una clásica “película de drogas”, Otra ronda tiene personajes que descolocan al espectador: intentan mantener su vida lo más estable posible mientras se desmoronan internamente. La película del realizador danés es divertida, incómoda, original y también deprimente: no deja al espectador indiferente, sino que invita a acompañar a los personajes por emociones intensas y contradictorias. – Julieta Aiello
06. El prófugo
Dir: Natalia Meta
El prófugo es una de las películas más notables cine argentino en 2021. Con un protagonismo absoluto de Érica Rivas y con elenco que acompaña a la altura, Natalia Meta cuenta una historia enrevesada y hace ingresar al espectador en un universo de locura, sueños y confusión. A tono con la tendencia del cine argentino de indagar cada vez más hondo en el cine de género, este film cuenta con fuertes rasgos de terror paranormal, algo marcado por el breve pero potente personaje de Mirta Busnelli: a través de él se cuenta la lucha interna de una mujer en torno a los deberes de una sociedad, sobre cómo vive el amor con un hombre y el tan mentado “amor propio”. El prófugo navega por las profundidades de estas temáticas de manera singular y deja al espectador con un cúmulo de preguntas, permitiendo las múltiples lecturas y resultando más en una experiencia que el relato de una historia. – Julieta Aiello
05. Annette
Dir: Leos Carax
El extraño y borrascoso musical del cineasta francés está más cerca de Dancer in the Dark que de Singin’ in the Rain y La La Land. Tan opresiva como inquietante, la trama de Annette nos sumerge en una ensoñación que ofrece belleza y repulsión en partes iguales. Si creíamos que no podía haber nada más delirante que Holy Motors en su filmografía, Leos Carax se entrega a una indisciplinada sublimación de la lujuria para desbordar los confines del género y mortificar las expectativas de sus espectadores. El director se deja llevar por sus gustos manieristas, alejándose de lo verosímil, tendiendo a la irrealidad y a la abstracción, mediante una puesta de escena exagerada y grotesca, atestada de componentes superfluos que acompañan a las pulsiones de los personajes. Por la saturación de los recursos empleados, la película protagonizada por Adam Driver, Marion Cotillard y una muñeca Annette más espeluznante que la de Annabelle, se puede interpretar en clave de parodia al estilo Broadway, con un retrato surrealista de la miseria en la búsqueda maquiavélica de la celebridad. – Juampa Barbero
04. Lamb
Dir: Valdimar Jóhannsson
Producida por A24, Lamb llegó este año para plantear un interesante giro dentro el cine de género. En el seno de una familia que vive en el campo, de manera ermitaña y con una pérdida que late en su cotidianidad, presenciamos la llegada de una criatura tan extraña como necesaria. La pareja trabajadora y silenciosa volverá a conocer la felicidad a través del recibimiento de una criatura que llena todos los vacíos hasta que la llegada de una persona ajena a esta endogamia pone en peligro su bienestar. Con las herramientas clásicas del folk horror, Valdimar Jóhannsson construye el terror y lo fantástico desde un dramatismo duro, plagado de silencios y miradas contundentes al contar una historia sorprendente y tensionante tanto para el espectador como para sus personajes, logrando que en lo cotidiano surja lo extraño. – Julieta Aiello
03. The Father
Dir: Florian Zeller
The Father es el gran triunfo de Anthony Hopkins en su vejez. Uno de los actores favoritos de Hollywood entrega una actuación ilustre a sus 80 años en la que encarna a un hombre que vive el delirio y el terror de la senilidad. Mientras su cabeza comienza a dejar lo que conocemos como realidad, el protagonista experimenta la tristeza, el miedo, la infantilidad, la soledad y, más fuertemente, la incertidumbre. Florian Zeller dirige y adapta al cine su obra de teatro del mismo nombre en la que logra retratar el mundo mental de un personaje que pierde la cabeza por la vejez. Los personajes desfilan por momentos como la seguridad de lo conocido y por otros como la amenaza de la desprotección, mientras que el tiempo se vuelve una noción más relativa y ante todo confusa, tanto que parece ser completamente prescindible. The Father es una obra maestra, un drama duro que habla sobre una condición a la que ningún ser humano puede escapar: el paso del tiempo y sus esquirlas. – Julieta Aiello
02. Nomadland
Dir: Chloé Zhao
Chloé Zhao abrió el 2021 con una de las películas más interesantes y sensibles que vimos en el año. Junto a Frances McDormand, quien obtuvo el Óscar por su rol protagónico, relatan una historia de soledad con el refinamiento de un concepto que se ha vuelto un imperativo: el amor propio. La protagonista de esta película es un cúmulo de contradicciones: es más libre que nadie, lo cual la hace disfuncional para nociones como la familia y el amor, pero es también esclava de un sistema laboral producto de una coyuntura histórica como lo es la Gran Recesión en los Estados Unidos. La vida nómade queda brillantemente descripta a través de la clave narrativa de road movie; Nomadland se vuelve una película originalmente feminista, humana y tan nostálgica como esperanzadora. – Julieta Aiello
01. Titane
Dir: Julia Ducournau
Titane ocupa el primer puesto de esta lista por muchas razones. No solo es una película que expone una historia de gran potencia sino que es una pieza que da esperanzas sobre la actualidad del cine. Mientras parece que el séptimo arte transita un rumbo incierto signado por fuertes marcas del correccionismo político reinante, Julia Ducournau se anima a subvertir los géneros cinematográficos (ciencia ficción, drama y terror), a jugar con alegorías y también a desvestir una trama provocadora, con imágenes por momentos repulsivas y en otros tan bellas que se vuelven poéticas. Al pensar en la transición de género y en el amor más allá de lo cuerpos, la directora francesa lleva un paso más lejos una discusión actual que parece estar atada a la moral. Titane es incómoda y repulsiva, pero también atrapante y maravillosa. – Julieta Aiello
