El clan

Como todos los años nos arriesgamos a elegir, entre el equipo de Cine Indie Hoy, lo que nos parecieron las mejores películas de este año que se va. El 2015 trae un cóctel de acción, remakes, fuertísimo cine argentino, una gran película de Pixar y mucho cine extra Hollywood. He aquí lo mejor que nos dejó el cine en 2015 en todas sus facetas. Cine internacional 01. Birdman La ganadora del Oscar a Mejor Película 2015 resulta ser uno de los estrenos más interesantes y contundentes de este año. De excelencia en el guión y cinematografía, con un Michael Keaton llevando adelante un rol poderoso y complejo, con una mezcla de histrionismo y parodia, Birdman resulta una exitosa mezcla de géneros e historias, un entramado alocado que transita frenético tras bambalinas. Alejandro González Iñárritu apuesta altísimo al correrse de los espacios más comunes de su cine: se anima al cine fantástico, a un drama filosófico, pone en el centro de la escena el mundo teatral y una fuerte crítica al star system. Sin dudas, un título imperdible del 2015. Reseña completa - Julieta Aiello 02. Youth El retrato de la vejez siempre ha sido un tema muy difícil de tratar en el cine por su riesgo a resultar trillado en la búsqueda de una emotividad gratuita que busca la lagrima fácil. Esto no le ocurre a Paolo Sorrentino, con su excelente Youth. Siendo una película de una extrema sencillez, el director italiano no retrata a los personajes desde una compasión forzada sino que los dota de una realidad que sus protagonistas, Michael Caine y Harvey Keitel, aprovechan para dar de las mejores interpretaciones de su carrera. Con una fotografía perfeccionista y simétrica que recuerda a Kubrick, Youth retrata la nostalgia y la crisis existencial de la tercera edad sin caer en lugares comunes con un nivel de sabiduría y reflexión que convierte a Sorrentino en un digno sucesor de sus propias influencias, leyendas del cine italiano como Fellini o De Sica. Federico Del Val - Reseña completa 03. Mad Max: Fury Road Este fue un año de nostálgicos blockbusters: la esperada nueva Jurassic Park, la destinada a romper récords nueva Star Wars, otra Misión Imposible, otra de James Bond, pero la que supo comulgar con crítica y espectadores fue Mad Max. La cuarta de esta saga de culto que comenzó en 1979 se titula Fury Road y es un deleite visual de principio a fin, ambientada en un árido futuro post-apocalíptico que con el ruido y las piruetas de las motocicletas logran un festín para el espectador. A sus 70 años, George Miller se luce con esta última entrega de Mad Max, entregando una película sumamente actual, desde guión y hasta decisiones visuales. La idea original para esta película era basarse en el personaje femenino, Furiosa, pero no fue aceptada. Sin embargo, es la que más peso tiene en la historia (la encarna Charlize Theron), casi una jugada feminista en el universo Mad Max, que esta vez es protagonizado por un Tom Hardy que no teme en guiñar al Max de Mel Gibson. Rodrigo Piedra 04. Inside-Out Pixar volvió a reinventar el cine infantil con Inside Out. Lejos de las moralejas fáciles y las fábulas con enseñanzas predecibles, el film es una exploración inteligente sobre las conductas humanas y la pérdida de la inocencia. Proponiendo la existencia de un complejo mecanismo dentro de la mente manejado por 5 personajes que representan sentimientos básicos del ser humano: Alegría, tristeza, desagrado, furia y miedo; el film tiene un estilo visual psicodélico y hasta alucinógeno a la altura del delirio que propone, dándole arquitectura a conceptos abstractos como el subconsciente o la imaginación, y convirtiéndolos en escenarios impredecibles. Pixar trasciende los límites del entretenimiento y genera una obra que perdura, recuperando esa magia tan característica del buen cine que hace que en un minuto te conmuevas al borde del llanto y al siguiente te rías, tan verdadera como la vida misma. Federico Del Val 05. Mommy De excelentísima fotografía y enteramente filmada en formato cuadrado 1:1, la quinta película del precoz director canadiense Xavier Dolan rescata retazos de la temática de su ópera prima –I Killed my Mother– y añade algunos condimentos psicopatológicos para excavar en la relación edípica que mantienen Die y Steve en una Canadá ficticia de 2015. Según la ley, todo padre posee el derecho de traspasar la custodia de sus hijos al Estado, que deja todo en manos de un sistema, como mínimo, inoperante. La premisa es sencilla: ¿Puede el amor de una madre –y de una extraña vecina que se entromete en sus vidas– salvar al hijo de su comportamiento errático y violento? Reseña completa - Melina Storani 06. It Follows Si el cine de terror atraviesa un periodo de decadencia, It Follows representa toda una excepción. Tomando como punto de partida una maldición transmitida a través de relaciones sexuales, su director David Mitchell crea una atmósfera opresiva en la que lo desconocido es el mayor golpe de efecto. Constituida como una regresión al cine de terror de los '80 tanto en su banda sonora como en su poderío visual, el film refleja una idea paranoica de la sexualidad que podría considerarse una analogía de la aparición del SIDA durante esa década. En lugar de ofrecer respuestas digeridas, Mitchell le devuelve al cine de terror el respeto a la inteligencia del espectador, cuestionándonos sobre el miedo a aquello que no conocemos ni podemos explicar racionalmente. It Follows subvierte los clichés con una personalidad y un poder de inventiva pocas veces visto en el cine de terror de las últimas décadas. Federico Del Val 07. Me and Earl and the Dying Girl En el papel, esta película tenía todo en contra para caer en un fondo lleno de lugares comunes. La historia de amistad y amor entre un joven y su compañera enferma de leucemia enfrenta el desafío de contarnos esta idea sensible, con ingenio y mucho humor negro. Alfonso Gómez Rajón sale victorioso en este ejercicio narrativo innovador, donde demuestra que quiere a sus personajes, y que por sobre todo, quiere mucho al cine. Diálogos ingeniosos, protagonistas relativamente desconocidos actuando a gran nivel, y una historia, que busca arrancar a como de lugar, de los clichés que inundan el drama sensiblero con que usualmente se abordan las relaciones adolescentes con un final incierto. Un crítico la definió livianamente como “La Love Story de los hipsters”. No. Es mucho más que ese mar de lágrimas artificiales de principios de los 70’s. Hablamos de una pequeña GRAN película. Alejandro Gonzalez 08. Ex Machina El mundo de los robots y la inteligencia artificial ha sido abordado desde muchas miradas. Spielberg dirigió sus esfuerzos a plasmar la metáfora de Pinocho. Alex Proyas usó a los robots como un grupo explotado para contarnos una historia de verdadero cine noir, basado en un relato de Isaac Asimov. Alex Garland, en su primera película, mezcla en parte ambas historias, para narrar en un tono minimalista, un cuento con retazos de engaños, misoginia y mitología. El del creador que utiliza como marionetas a sus figuras artificiales, y las humanas, donde la soberbia de haber sido un niño prodigio nubla los riesgos que trae aparejado el fuego con que moldea los software de inteligencia artificial. Alejandro Gonzalez - Reseña completa 09. El club Realizar una película con el trasfondo de sacerdotes marginados a una vida de “penitencia” por parte de la Iglesia, tenía muchos riesgos de caer en el morbo gratuito o flashback explicativos innecesarios. En cambio, el guión apostó por lo difícil. El camino elegido fue narrar el proceso de un grupo de curas viviendo en una casa de verano, custodiados por una ex monja que purga pecados tan graves como todos los demás, pero como ellos, no entiende el por qué su propia iglesia los condena a una vida alejado de los votos que juraron cumplir. Seres dañados a tal nivel, que borraron de su mente lo que para ellos jamás evidenciaron como un pecado. Gran film de Pablo Larraín, quizás el mejor del realizador a la fecha. Alejandro González 10. Love Sexualidad sentimental, drogas, colores vibrantes, parpadeos y mucho sexo explícito estéticamente acertado definen a la última entrega de Gaspar Noé, Love. Murphy –aspirante a cineasta- y Electra –artista plástica- son una pareja real y carnalmente perfecta, aún con sus ambigüedades, errores y diferencias. Se conocen casi por casualidad para iniciar una relación que jamás encuentra su fin. La crítica la considera “la película más íntima” del director, que incluso utiliza su propio nombre para personajes relevantes de la película. Y es que Love es única en su género –al que sea que pertenezca-; es una película “de sangre, esperma y lágrimas”, tal y como lo anhela un joven Murphy. Y agrega: “Todas las películas deberían tratar de eso. Es la esencia de la vida”. Melina Storani - Reseña completa Cine nacional 01. El Clan Una de las películas argentinas más aclamadas de este 2015 contiene la increíble historia del clan Puccio: aquella familia que, de manera oculta y cotidiana dentro de su propia casa se dedicaba a secuestrar y torturar empresarios a cambio de sobornos por grandes sumas de dinero. La película se convirtió en un éxito no solo nacional sino internacional; controversial, como nos tiene acostumbrados el cine de Pablo Trapero y con actuaciones de gran calibre. La historia de los Puccio no solo representa una referencia inevitable a los años de gobierno de facto en la Argentina y a los años subsiguientes, sino que llega a convertirse en un film paródico y sumamente crítico: justamente la cotidianeidad, la perfección y “pureza” de esta familia modelo, nos oculta por detrás un mecanismo espantoso de dependencias, despotismo y violencia descarnada. Julieta Aiello - Reseña completa 02. La patota Producida por Telefé, en palabras de Axel Kuschevatzky porque había que hacer una película y este fue el proyecto con el que se avanzó, La patota recayó en las manos del director Santiago Mitre (El estudiante). Está basada en la película homónima que Daniel Tinayre estrenó en 1960 y que protagonizaba Mirtha Legrand. Lejos de ser una remake, esta versión adaptada con la siempre vibrante Dolores Fonzi sigue la historia de Paulina, una prometedora abogada de Buenos Aires (digamos, en un lugar seguro por el status profesional de su padre, una excelente labor de Oscar Martínez) que comienza a trabajar en un proyecto del Ministerio de Desarrollo Social en las zonas periféricas de Posadas, donde a los pocos días de instalarse es violada por una patota. Su reacción es la clave del film: ¿Tengo que estar del lado de la joven progre o del viejo dinosaurio, que hasta hace 5 minutos me caía muy mal? Cuando una película genera esa incomodad y descoloca al espectador, es síntoma de que ha cumplido su cometido: buen guión, grandes actuaciones y un ritmo narrativo preciso. Rodrigo Piedra - Reseña completa 03. El incendio El debut en solitario del exestudiante de la FUC, Juan Schnitman, resulta en una obra realista y contundente; un drama que apunta más a un thriller psicológico, con elementos tensos que saben captar a la perfección la atención del espectador. Las actuaciones de Pilar Gamboa y Juan Barberini en los protagónicos acompañan un guión pulcro, bien pensado y de ritmo interesante. La trama gira en torno a un día de mudanza de la pareja conformada por Lucía y Marcelo, dos jóvenes cercanos a los treinta que intentan proyectar una vida juntos. Con el correr de las horas los personajes sufrirán radicales transformaciones que modificarán la dinámica de pareja y generarán un abanico de emociones humanas por las cuales pasearse a lo largo de 95 minutos. Melina Storani 04. Placer y Martirio El cine de José Campusano ha sido controversial desde sus inicios. Esta vez se traslada a un escenario completamente distinto al que nos tiene acostumbrados pero con los mismos objetivos: visibilizar aquello que es cotidiano y permanece en sombras. La historia de Delfina, una mujer burguesa aburrida de su matrimonio y de su vida, busca el cable a tierra en una obsesiva y vampírica relación adúltera. La película nos va mostrando en un crescendo, cómo su autodestrucción y enajenación van siendo cada vez más fuertes, y los lazos que la rodean van desmoronándose en la misma banalidad de sus acciones. Placer y Martirio es una película arriesgada y realista que, lejos de establecer juicios morales comporta la documentación de la experiencia y resalta la maravillosa función del cine de encontrar en lo más pequeño y habitual, una historia digna de contar. Julieta Aiello - Reseña completa 05. La vida de alguien Cinco años después de Excursiones, Ezequiel Acuña estrenó su cuarto largometraje, La vida de alguien, que narra la biografía imaginaria de una banda de rock, la de los uruguayos La Foca (que ya sonaron en Excursiones y para los que les dirigió videos), con el guitarrista Guille de protagonista, encarnado por Santiago Pedrero. Además del relato de la banda, también está la historia secundaria entre Guille y Luciana (interpretada por Ailín Salas, que cada vez que aparece roba suspiros), “la chica” que viene a desestabilizar todo, en la banda y en Guille. Cassettes, managers, periodistas musicales nefastos, un integrante de la banda desaparecido, Mar del Plata, Jaime Sin Tierra, una breve aparición de Nicolás Mateo e historias de amor y amistad con un final en la playa hacen que también funcione como un resumen de todas sus películas, aunque no haya dudas de que La Vida de Alguien es la más fuerte de todas. El realizador confirma tener un sello propio e inconfundible, desde el factor musical siempre presente hasta la particularidad de seguir filmando en 35mm, como si necesitáramos una excusa más para ir a ver sus películas al cine. Rodrigo Piedra

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