Los primeros registros etnográficos de la música correntina dan cuenta de una raíz guaraní nativa, ligada al canto oral y la danza comunitaria. A estos cantos se los denominaba purahéi. Entre los instrumentos que los pueblos originarios utilizaban para acompañarlos se encontraban el takuapú (un bambú hueco de unos 70 cm), el mbaraka (un sonajero hecho con calabazas perforadas y rellenas de semillas), el mimby (similar a una flauta), el angu'a pu (un tambor primitivo) y el guayrapa'i, un arco musical de una sola cuerda y quizás el más importante de todos, ya que les permitía componer melodías.
Con la llegada de los jesuitas, hacia 1609, se fundó el Centro Musical de Yapeyú, dirigido por el padre Antonio Sepp. Este llevó adelante una intensa labor de mestizaje cultural, que incorporó instrumentos como la guitarra, el arpa y el violín a los cantos orales y ritmos guaraníes. Hacia 1650, los pueblos originarios ya dominaban la fabricación y ejecución de estos instrumentos. Este proceso culminaría en lo que se denominó el Barroco Guaraní, que alcanzó su máxima expresión a comienzos del siglo XVIII con la llegada del jesuita italiano Doménico Zipoli, quien arribó a la actual Argentina en 1717 para establecerse en Córdoba.
Con la expulsión de los jesuitas en 1767, se inició una etapa de transición musical en la región. Los rezos y cantos orales guaraníes incorporaron una fuerte influencia de la estructura tonal europea, mientras que las piezas sacras barrocas salieron de los templos para interpretarse en celebraciones populares. Estas festividades, acompañadas por danzas españolas y criollas, sembraron la semilla del malambo, la seguidilla y el chamamé.
Entre 1800 y 1850 coexistieron entre los correntinos dos corrientes musicales, vinculadas a la posición social de sus habitantes. Por un lado, la música de salón, propia de los estratos más pudientes de la sociedad, en la que prevalecían el minué y el vals. Por otro, un incipiente folclore litoraleño, caracterizado por el uso de guitarras criollas y las primeras danzas rurales, como el pericón, el cielito y la media caña, que se habían expandido desde Buenos Aires hacia el litoral.
Hacia mediados del siglo XIX, la música correntina atravesó una etapa de gestación crucial, en la que se produjo un mestizaje definitivo entre la herencia musical guaraní-jesuítica y ritmos extranjeros, como la polca europea. Los correntinos ralentizaron la polca y modificaron su acentuación rítmica, dando lugar a una cadencia expresiva propia que por entonces fue bautizada como polca correntina o "correntinita". Al mismo tiempo, ritmos europeos como el vals dieron origen al valseado correntino. La guitarra y el violín se convirtieron en instrumentos fundamentales, y este último tuvo un papel central en la composición de las primeras melodías campestres de polca.
Entre 1880 y 1890, se profundizó el desarrollo de la polka, que adquirió un sonido más estridente a partir de la incorporación de la armónica y los primeros acordeones diatónicos (de dos hileras), traídos por inmigrantes europeos. Este último instrumento terminó reemplazando al violín debido a su mayor resistencia a la humedad.
En el periodo que va entre 1900 y 1930, ya se reconocía la particularidad de la música litoraleña, aunque recién en 1930 se oficializó el nombre de "chamamé" con la grabación de la canción "Corrientes Poty" (Flor de Corrientes), interpretada por el cantante paraguayo Samuel Aguayo. La letra fue escrita por Diego Novillo Quiroga y la música, compuesta por Francisco Prácanico. Otros artistas fundacionales fueron Emilio Chamorro y Mauricio Valenzuela, junto con sus agrupaciones Tribu Goyana y el Trío Correntino.
El período comprendido entre 1940 y 1960 es considerado la edad de oro del chamamé, debido a su difusión radial, que lo posicionó como uno de los géneros más escuchados de la época. En esos años se destacaron artistas conocidos como "Los Monstruos Sagrados": Tránsito Cocomarola —autor de himnos como "Kilómetro 11", "Retorno" y "Puente Pexoa"—; Ernesto Montiel, al frente de su Cuarteto Santa Ana; Isaco Abitbol; y Tarragó Ros, apodado "El Rey del Chamamé", quien cosechó récords de ventas de discos. También sobresalieron Ramona Galarza, responsable de internacionalizar el género, Salvador Miqueri y Edgar Romero Maciel. En los años 80, este legado musical se actualizaría con la irrupción de Teresa Parodi.
En paralelo, el rock comenzó a tomar forma en Corrientes entre fines de los años 50 y comienzos de los 60, cuando distintas agrupaciones incorporaron instrumentos eléctricos. Proyectos como The Pokers, Banda Rab y Los Rebeldes sentaron las bases para las generaciones posteriores. Durante los años 70 se destacaron Roberto "Johnny Hill" Rick, pionero del rock and roll en castellano en la región; Mickey Getzrow; y Mantra, una de las bandas más importantes de la época, que llegó a Buenos Aires con canciones como "Trinidad Tobago" y "Prisionero de mi amor".
Durante los años 80, la escena amplió sus espacios de encuentro con la llegada de nuevas propuestas al Teatro San Martín y a los patios escolares. También surgieron ámbitos dedicados a géneros específicos, como el boliche Metal Discotheque, que se convirtió en un punto de reunión para los primeros seguidores del heavy metal en la provincia. En los 90 se destacaron bandas como La Murga, Los Mismos, Grito Clandestino, Quantum Quark, Silencio Blues Trío y Lestbiana, mientras que el circuito de bares y discotecas conocido como "la Recoleta Correntina" concentró buena parte de la actividad nocturna.
A comienzos de los años 2000, el rock correntino se dividía entre el punk, el heavy metal y las bandas de covers. La tragedia de Cromañón, en diciembre de 2004, y el posterior cierre de bares y boliches del centro alteraron ese ecosistema cultural. En ese contexto, Picasso Pub se convirtió en un espacio de resistencia donde comenzaron a confluir distintas subculturas musicales. Allí se gestó una nueva escena, con agrupaciones como Las Liebres, Guazuncho, Los Buenos, Sinónimos, Galácteos y Los Saltimbankis.
El desarrollo de esta movida también dependió del trabajo de gestores y espacios de difusión. José Oviedo, dueño de Picasso Bar, impulsó la actividad como gestor cultural, mientras que la revista municipal de bolsillo Diorama, dirigida por Griselda Cazorla y Madera Gómez Kennedy, y el programa radial La juventud está perdida funcionaron como herramientas para conectar a los artistas con el público. Hacia 2009, el regreso de Sandro Pertini, integrante de proyectos como Los Saltimbanquis y Galácteos y futuro dueño de Casa Miranda, dio un nuevo impulso a la escena. Junto a Martín Gómez y Juan Cabrón, creó la página Bien Copet y organizó fiestas que reunieron a músicos emergentes de la región con artistas de Buenos Aires.
Durante la segunda década del siglo XXI, la escena correntina comenzó a ganar visibilidad fuera de la provincia gracias al trabajo de sellos independientes como Triple RRR Discos, Fuego Amigo Discos, Mamboretá Records, Volante Discos y AO Discos, además de la labor de producción de Indie Folks. Entre sus hitos se cuentan la apertura de Las Liebres para Ariel Pink y su posterior gira por México, la aparición de Los Saltimbanquis en Rolling Stone y la participación de Galácteos como banda de apertura de New Order en Obras Sanitarias, en 2018.
Tras el cierre de Casa Miranda y la llegada de la pandemia, parte de la movida se transformó. En la actualidad, El Patio Cultural funciona como uno de los espacios de referencia para la música en vivo y da lugar a una nueva generación de artistas correntinos, entre los que se destacan Ale Marasso, María Volante, Juan Cruz, Flor Sandoval, Ajó, Lara González Vedoya, Ceci Mutio, José Vilotta, Peris Japónica, Mango Dub, Cumulus, Tomi Courtis, Fátima Lucía y la agrupación Dónde Despiertan los Monstruos, entre otros.
Para comprender la escena musical correntina del siglo XXI, resulta fundamental atender a una conexión fascinante y profunda: las similitudes sonoras entre la psicodelia de los años 60 y el chamamé correntino. El Hammond, el Farfisa y el bandoneón comparten una búsqueda: reproducir y emular ciertos sonidos asociados a la Iglesia. Tanto el acordeón como el bandoneón producen un sonido rico en armónicos y un flujo de aire continuo. El Farfisa, por su parte, intenta recrear ese "sonido de viento": su tono brillante y agudo puede asemejarse al de un acordeón eléctrico. De hecho, muchos organistas de la psicodelia de los años 60 utilizaban el registro "Accordion", que venía preconfigurado en los Farfisa.
El chamamé y la psicodelia también comparten el uso de la tensión dramática a través del volumen. En el chamamé, la respiración de la ejecución pasa por el fuelle del acordeón o del bandoneón, lo que permite introducir sutiles crescendos, cortes y vibratos intensos. En la psicodelia de los 60, los tecladistas buscaban una dinámica similar mediante el pedal de volumen (o de expresión) de los Hammond y Farfisa, sosteniendo acordes que crecían en intensidad para generar atmósferas hipnóticas o de trance. Estos recursos pueden encontrarse en discos como Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, de The Beatles; Pet Sounds, de The Beach Boys, y los primeros trabajos de Pink Floyd.
Discos fundamentales de la escena correntina, como El arroyo de la miel, de Las Liebres; Cazadores, de Guazuncho, e Interiores, de Mencho, exploran esa sintonía. A su vez, incorporan influencias de bandas contemporáneas como The Flaming Lips y MGMT. Otros artistas, como Galácteos, suman también su interés por el synth pop, las programaciones y los sonidos de los años 80.
A partir de lo mencionado y de los testimonios de Juan Cabrón, músico de Galácteos, y Augusto Massochi, líder de Mencho, repasamos 10 discos claves de la escena musical correntina del siglo XXI.
10. Ceci Mutio - Siento que puedo
2024 - Independiente
En este EP, Ceci Mutio combina el folk con el pop en dosis equilibradas de optimismo y melancolía. El disco ofrece armonías agradables, una producción cuidada y una delicada precisión en los arreglos instrumentales. La propuesta combina el intimismo confesional con la frescura de la voz de Cecilia. Entre los temas destacados se encuentran "Siento que puedo", "En círculos" y "Problemas". El EP conecta con el legado de la canción pop confesional y minimalista, y remite al pop argentino de finales de los años 90. El trabajo fue producido por Tomi Courtis. En la grabación participaron, además de Cecilia y Courtis, los músicos Ianis Manos, Juan Manuel Tannuri y Ramiro Berentz.
9. Ale Marasso y Tomi Mutio - La buena luz
2018 - Independiente
En este álbum, compuesto junto a su socio creativo Tomi Mutio, Ale Marasso desarrolla un excelente ejercicio de pop/folk artesanal que retrata la cotidianidad litoraleña, sus paisajes y el paso del tiempo. Una canción fundamental para comprender el concepto del disco es "La cura", en la que la música aparece como un refugio sagrado de recuerdos imborrables. También se destacan temas como "Moscú", "Donde habitan las canciones" y "Fe de madrugadas", que retrata un universo nostálgico y kawaii. Esta última es una canción sencilla, pero perfecta. El disco fue grabado en los Estudios del Eco y producido por Ale Marasso y Tomi Mutio.
8. Tomi Courtis - Para adentro
2026 - Independiente
En apenas cinco canciones, Tomi Courtis demuestra una gran destreza en el trabajo con sintetizadores, programaciones y guitarras. Su voz atraviesa las composiciones con una suerte de fiebre emocional, dando forma a pequeñas piezas musicales que funcionan como fotografías de distintos momentos existenciales, pero que conservan siempre la fe en el porvenir. Además, la producción vocal se adapta al clima y al tempo de cada canción, lo que le otorga al EP una narrativa dinámica que termina conquistando al oyente. Entre los temas destacados se encuentran "Me morí", "Bañate bien, sucio", quizás la mejor canción del disco, y el opus final, "Perdí el control, por eso salí a caminar". El EP fue producido por el propio Courtis.
7. Pieris Japonica - Un parral de uvas verdes
2025 - Go Cat Go! Music
Este dúo, integrado por Cecilia Báez en voz y Esteban Ariel Gonzalo en guitarra, evoca los mejores momentos de Mazzy Star y el dream pop de finales de los años 80. Con sutileza en los arreglos vocales y armónicos, construye un mapa sonoro muy interesante a partir de canciones como "Bienvenida", "Primer día de otoño" —quizás la mejor del disco— y la confesional "Caer en palabras". En apenas seis canciones, el EP demuestra que la nostalgia puede ser moderna, sincera y artística. Fue producido por la propia banda.
6. María Volante - Nunca mires más allá de aquí
2025 - La Ofi Records
Este EP de la banda correntina retoma la herencia del rock progresivo de comienzos de los años 70. Con un promedio de edad de 25 años, sus integrantes encuentran su fortaleza en comprender el rol de cada instrumento y de la voz dentro de cada composición. A través de solos de guitarra épicos pero de buen gusto, una sólida base de bajo y batería y notables arreglos de teclado, María Volante construye un universo musical que invita a explorar una amplia paleta de matices sonoros. Entre los temas destacados se encuentran "Barco Carrousel", "Oportunidad (¡Llame ya)!" y "El desgaste", quizás la mejor canción del disco. Todo se articula en una producción notable que remite a la primera etapa de Serú Girán y al rock sinfónico de los años 70, con referentes como Bubu. Actualmente radicada en Buenos Aires, la banda está integrada por Blas Custidiano (guitarra y voz), Máxima Dumon (voz), Bruno Colombo (teclados), Ian Ávalos (batería) y Lucas Grispino (bajo).
5. Galácteos - Galácteos
2018 - Independiente
Editado en 2018, el álbum homónimo de Galácteos combina el synthwave con el space rock de comienzos de los años 80. El uso de cajas de ritmos y los arreglos armónicos generan por momentos polifonías que exploran recursos como el vocoder y el delay. En este disco, la banda trabaja sobre el concepto de electrónica orgánica, con un enfoque puesto en las atmósferas y los ritmos bailables que van de Giorgio Moroder a New Order.
Entre los temas destacados se encuentran "Onda de neón", "Introducción a la polifonía" —que cuenta con la colaboración de Federico Delbón, músico de Las Liebres—, "Micromáquina" y "Repetición", probablemente la mejor canción del álbum, donde el funk y el synth se dan un gran abrazo musical. En la grabación participaron Aníbal Báez en guitarras y sintetizadores, Juan Cabrón en batería y percusión, Nicolás Aquino en teclados y sintetizadores y Martín Aquino en bajo. Además de Delbón, el disco también contó con las voces invitadas de Augusto Massochi y Sandro Pertini. Un trabajo que demuestra que la escena correntina también puede competir con el dance rock de centros musicales más cosmopolitas, como Buenos Aires, Córdoba o Mendoza.
4. Mencho - Interiores
2017 - Triple RRR / AO Discos
El proyecto liderado por Augusto Massochi se apoya en una musicalidad que combina el pop clásico de los años 60 con ciertas dosis de ironía, en sintonía con la mejor etapa de The Kinks, y paisajes sonoros que oscilan entre el Brian Eno de los años 80 y bandas de comienzos de los 2000, como The Coral. La dualidad entre lo que está bien y lo que está mal funciona como un leitmotiv creativo en el que la ironía, el existencialismo y la redención se combinan para dar forma a pequeños himnos musicales como "La liga del mal", "Interiores" y "En callejones". Esta última es una composición notable, en la que las guitarras y los delicados arreglos de teclado construyen un pop moderno y de arrabal que renueva la canción pop correntina. El disco fue grabado por Augusto Massochi en voz y programaciones, el "Negro" Bonassies en batería y Emiliano Polo en guitarra.
3. Los Saltimbankis - Los Saltimbankis
2012 - Mamboretá Records
El cuarteto integrado por Cristián Osorio en voz, Alejandro Ledesma en guitarra, Raúl Guimaraes en bajo y Dorian Scalante en batería renovó la relación entre el rock y la música litoraleña, e incluso anticipó el sonido de bandas posteriores como Los Espíritus. A través de una combinación de chamamé, rock, psicodelia y dosis de punk, Los Saltimbankis retratan paisajes, vivencias y personajes, y actualizan la "payada" gauchesca con la impronta febril del rock y los matices sonoros de la psicodelia. Entre las canciones destacadas de su álbum homónimo, que modernizó el rock correntino del siglo XXI, se encuentran "Niño cowboy", "La tormenta" y "En lo de Dorian", quizás la mejor del disco por el clímax que construye y la intensidad con la que interpela al oyente. El álbum fue grabado en los Estudios de la Flor, en la ciudad de Corrientes, producido por la propia banda y editado por el sello formoseño Mamboretá Records.
2. Las Liebres - El arroyo de la miel
2011 - Triple RRR / Volante Discos
Así como Brian Wilson concibió Smile como una "pequeña sinfonía para Dios", Las Liebres compusieron este álbum como una pequeña sinfonía dedicada a la vida rural y urbana correntina. Desde el tema de apertura, "Obertura para un universo musical", queda clara la intención de construir una psicodelia orgánica, en la que las canciones se conectan entre sí para crear un paisaje sonoro idílico y melancólico.
El uso del piano y los sintetizadores analógicos, combinados con guitarras con delay y reverberaciones vocales, da lugar a piezas notables como "Brasil y Uruguay" y "Hawaii", que renuevan no solo la psicodelia correntina, sino también la argentina del siglo XXI. Los juegos de modulación y eco, que evocan las antiguas grabaciones realizadas con sistemas de delay de cinta, también aparecen en temas como "Los grillos del arroyo" y "Viaje en tren", quizás el mejor del disco.
El arroyo de la miel constituye una suerte de revolución musical por la manera en que actualiza las ideas de producción de los años 60 y las combina con un elevado nivel compositivo. Todas las canciones fueron compuestas por Federico Delbón e Iñaki Zubieta, alma mater de Guazuncho, y grabadas y producidas en el estudio casero en el que ambos trabajaban por aquel entonces.
1. Guazuncho - Cazadores
2016 - Fuego Amigo Discos
Guazuncho es el proyecto solista de Iñaki Zubieta (Las Liebres). En este tercer álbum, el artista demuestra una notable maestría para componer canciones que evocan el romance, el paisaje litoraleño, la nocturnidad y la complejidad de los vínculos en el siglo XXI. Utiliza los armónicos de su voz de manera que se fundan con las programaciones, creando un universo particular en el que lo retro y lo futurista conviven en un mismo ecosistema musical.
La producción de temas como "¿Quién podría saber?", "¿Por qué tienen que discutir?" y "Luna austral" genera una suerte de sinestesia sonora: un viaje musical homérico en el que la melancolía de la música litoraleña se digitaliza para dar forma a texturas que remiten directamente al ambient. Grabado y producido por el propio Zubieta, Cazadores lo consolida como uno de los músicos más destacados de su generación.
